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Buenas tardes soy Salvador con esa profesor de pinturas si soy la persona que propuso la conferencia de Jesús Herrera, pintor de mi promoción y al cual le tengo un cariño muy, muy especial. Nada sobre el comentar que nació en Petrer, en el 76, que vive y trabaja en Copenhague. En Dinamarca insistió mucho en estar presente que sea la que sea presenciar la conferencia, que no, que no se haga de manera virtual, lo cual agradecemos muchísimo, porque es una cantidad de tiempo el que pierde importante para estar aquí con nosotros y en cuanto su obra cito textualmente lo que aparece en su web, ya que propone una reflexión pictórica en los puntos de conflicto. Fricción de la construcción de una imagen y su posterior representación, la recuperación técnico, pictórica o parte inherente del lenguaje artístico; y las estrategias narrativas dentro de los parámetros de la pintura. Luego no lo explique. Yo lo conocí estudiando, compartimos, hay unos años de nuestra vida y se convirtió en un trotamundos ha estado en Italia Brasil México Cuba Rumanía Bolivia Estados Unidos Dinamarca y me ha dejado seguramente unos cuantos países de por medio entre sus proyectos destaca, pues, de los últimos, yo movin cuidando el jardín del Edén en Real Academia de España. En Roma todo el conocimiento. Parte del mundo en el Museo Nacional de Historia, de Dinamarca, becas de investigación e investigación en el Espai Rambleta, en Valencia, y un sinfín de proyectos que me dejó también en cuanto a ferias internacionales unos cuantos art pos ya es madre dan a Verona algo etc etc etc es decir que creo que es 1 de los artistas más contrastados, que hemos traído hasta la fecha. Me interesa mucho por cómo, por como trabaja, por lo que pinta y por la distinción que plantea. En cuanto a muchos otros artistas contemporáneos, espero que os guste y os dejo, pero, bueno, si me oye. Gracias por la presentación Salva y gracias al máster y a la universidad por invitarme, y gracias a Aurora, también por hacer que esté aquí estos días, está preparando la conferencia y a ver cómo enfocaba presentarse el trabajo. Me planteaba un montón de preguntas que os puede servir a vosotros de mi trabajo, como yo, planteo mi trabajo y creo que voy a aislar la narración un poco con, con un proyecto práctico, que da el título a la ponencia, que es todo el conocimiento parcial del mundo, que es una exposición que hice en 2019. Yo no sé si va a ser muy largo y voy a estar una hora hablando, pero llegamos más rápidos. También he traído la última exposición que he hecho en Valencia, que se llama pintura, Caníbal, y así va mejor. Podemos contrastar 2 proyectos o podemos ver alguna obra específica o un pequeño proyecto de esa exposición si queréis, pero quiero que sea un diálogo muy práctico y que lo veamos con obras y el planteamiento de la ponencia es como yo planteo un proyecto como yo. Encajó las obras, como los motores que arrancan mi miss, mis motores. Para hacer obras como las obras las organizó en pequeños proyectos, como los proyectos tienen paraguas más amplios y y, como su artículo la los proyectos, no, pero aplicado a exposición no sea esto. Una cosa teórica, yo pienso que es como más natural y siendo artistas. Creo que estamos en la misma frecuencia. No. A mí me ha traído también, como un Steinbeck nazi abstracto, de cuál es mi definición, como ha hecho Salva, que pone en mi web, que en el fondo son palabras, pero tal vez me atrevo a decirlo, pero sí que me es muy raro como autodefine irme, pero creo que mi ámbito de trabajo es la pintura. Fósil hizo la los proyectos en cuadros, en pintura, pero mi ámbito de trabajo creo que es la pintura, porque los motores y la lo que activa mi reflexiono, eso que me enamora para empezar una obra son cosas sobre la pintura, un cuadro, un género, una serie de cuadros, un artista al final yo termino por mímesis haciéndolo en pintura, pero puede ser dibujo, puede ser objeto, pero creo que tiene un 1 a una obsesión en el ámbito de la pintura, no, entonces me defino como pintor, pero me gusta más definirle, como que trabajó en el ámbito de la pintura, y mi forma de trabajar es estos generoso. Esta obra que me puede enamorar y que es el motor. Para meterme en mi proceso de trabajo tal vez es analizar ese los componentes y los elementos, identificar qué componen eso, dividir los de construirlos para después volver a construirlo y las fisuras que encuentro penetrar ahí para intentar buscar una voz, mi voz propia, no poder contar algo. Pero esto es como un poco rollo abstracto y vamos a pasar a haber obra, que es lo que lo que interesa. Todo el conocimiento parcial del mundo, esta exposición Bueno, no, no, he hecho un poquito el viaje personal de por qué he acabado en Dinamarca, así que terminé podemos hablar un poquito de esto, pero bueno, actual vivo actualmente vivo en Copenhague, llevo como 6 años allí, pero los 2 últimos de pandemia nos cuentan, por supuesto, y en 2019 tengo la oportunidad de poder hacer una exposición individual en éste es el Museo Nacional de Historia, fue Palacio Real, Palacio de Primavera de los Reyes, pero en 1.850 pico se convierte en museo, y después veremos por qué y tiene 2 focos. Un foco es Museo Nacional de Historia por que atesora muchos objetos históricos y Museo Nacional de retrato. Tiene estos 2 focos cuando tengo la propuesta. Creo que estas 2 ramas y encaja muy bien en mi trabajo, porque tengo las 2, los 2 ámbitos de trabajo, un poco de recuperar pintor, pintura de historia o género, si trabajar sobre ellos, con lo cual y después trabajó mucho el autorretrato, entonces, me sentía como muy confortable para poder trabajar en una exposición. Aquí. Mi planteamiento inicial fue intentar hacer un proyecto específico sobre el museo, sobre la colección que tuviese un vínculo fuerte con las obras que se encuentran ahí y entonces el título es un poco declaración de intenciones, porque todo el conocimiento parcial del mundo pensé que paraguas puede albergar trabajar con este museo, con mi obra y pensé que el punto correcto sería trabajar sobre la idea de museo. El museo, como espacio de conocimiento, donde están las colecciones que clasifican, entienden, organizan el conocimiento y bueno, aquí podéis ver la nieve, queda muy bonito, la verdad tiene estos salones reales y las colecciones y después tiene toda una parte de retrato y todo objetos es una maravilla, y cuando vayas a Copenhague tenéis que ir. Bueno, tengo estas 3 salas en la tercera planta en la parte del retrato, que son estas, que están en verde teniendo 3 salas, era muy fácil plantear. Inicio, desarrollo o conclusión me planteó que la primera sala de inicio va a ser sobre el gabinete. Va a ser un gabinete de maravillas, gabinete de curiosidades, que es el inicio del concepto -museo. El concepto museo se inicia con con la idea de gabinete de curiosidades de los Reyes que tenían todas las cosas que iban recopilando por el mundo, y es un espacio en un espacio más oscuro, más íntimo, con que se podía dar a a poner mucha vitrina y mucho objeto. En la segunda sala me planteo poner ya obras sobre el museo, que con estos links con la colección del museo, y la tercera sala la planteó un poco como hablar de la idea de museo genérica y la idea de colección y museos alternativos o museos que están en la periferia del concepto museo. Quiero trabajar también 3 ideas como artista que es la primera sala va a ser acercarse mucho a los objetos. La idea era que pegase la nariz al cristal. Como la segunda que respira este es respirar esa de entrar en la segunda sala y la tercera que que viesen los objetos de lejos que hubiese paisaje y que hubiese atmósfera? No, como podéis ver las salas tienen estos hechos, que son muy fuertes, sin predeterminar mucho el espacio que había que cómo manejar eso. En mi caso, creo que iban a trabajar bien con las obras y liberará un carácter así como muy guay. Pero, bueno, era un espacio bastante difícil en ese sentido. También. Los colores que juegan con los colores de sala y después arquitectónicamente, tenía un problema, que eran estos arcos. Había unas ventanas muy grandes con estos arcos y tenía que. Contar con eso, con esa arquitectura y mi propuesta fue que algunas obras repitiesen eso en esa arquitectura y que terminasen con ese arco para que creasen un diálogo. Entonces, bueno, esto mi planteamiento inicial en abstracto cuando te proponen que tienes que poner en un sitio, así que te da un poco así de impacto, no es como cuando estás la maqueta inicial que planteó para para entender un poco el espacio. No son las obras definitivas; es simplemente para ver qué tamaños, editaba construir las piezas, para hacer un buen recorrido y que fuese un poco inmersivo y que el espectador caminar se por ahí y hubiese como un buen buen recorrido. No. No me gusta trabajar en esta fase porque creo que queda muy bonito para la presentación, pero en esta fase estás como entendiendo donde vas a trabajar y bueno, esta es la primera sala que dio como introducción a de maravilla. Según el gabinete de curiosidades, la idea era que hubiesen objetos, entiendo que los objetos son residuos de las obras, aparecen en las obras y le dan una cosa epidémica de contacto con las obras, con lo cual tú ves los objetos y piensas que las obras han existido de verdad, entonces que eran como un juego muy bonito, y me me gustaba la idea de que tú aquí solo hubiese objetos o bodegones y y pasase, es las siguientes salas encontrase esos objetos. En los cuadros no como una especie de introducción esta cosa de acumulación que tiene una colección de arte. Al entrar haría un gran pasillo. Entonces pensé en poner esta obra es un dibujo de una humareda, es negro, pimiento, negro, humo sobre papel y representa un humo en. Pues es es está muy arraigado en mi iconografía, esta idea del humo a la veremos por qué y y tiene esta cosa de que el humo es el indicio de que algo está ocurriendo, que algo ha ocurrido no algo dramático y me gustaba la idea de empezar por el final de que el humo, que es el incendio, que ha quemado algo que ha terminado con algo. Te invitaba a entrar en la exposición. Y esta era la primera obra, que ya está bien. Es una como una declaración de intenciones. Tiene varios varios elementos que se van a repetir, que son el objeto como residuo que es, aquella pecera, con ese especie de humo congelado, que aparece también en el cuadro y esas postales que están repartidas a modo de colección, a modo de recopilación de ideas, como si fuese unas las de Mohsin, de averiguar y esta idea de recopilar y organizar las las ideas como árbol conceptual y el autorretrato. Un poco para para que yo no una pintura narrativa, ya que voy a hablar yo pienso que es más sincero que yo sea él el que está representado, no? Entonces utilizó mucho autorretrato por esa razón. Las postales son postales del museo. El museo en 1.859 se incendia antes, el Palacio Real se reconstruye la Fundación reconstruye el museo y a partir de ahí se convierte en Museo Nacional de Historia. Entonces, el final, el incendio supone el inicio del edificio como como museo, no también citando al humo que nos invitaba a entrar en la exposición. Y después está este humo congelado y las postales de los distintas vistas de esos dibujos del humano? Aquí voy a hacer un. Un parón, y voy a contar el por qué de este humo, no. En un momento, este proyecto es de 2012. Yo tenía que resolver un problema técnico, que era el que tenía que pintar un paisaje, y quería pintar el mismo paisaje, pero desde 2, 2 puntos opuesto, no desde una parte del valle y desde la parte opuesta, pero quería pintar el mismo en el mismo instante de tiempo, pero desde 2 ángulos distintos y en el paisaje, apareció un un un incendio y un humano, y yo podía encontrar documentación sobre humareda así incendios, pero no podía tener 2 instantes del humo, podía tener 2 fotos del mismo momento del mismo humo obviamente porque claro como el río no que es el mismo instante, entonces me planteé. Bueno, voy a a a poner varias cámaras y algún incendio. Bueno, yo quería montar en una movida, un tipo matriz como aquel que está así volando. Bueno, la fantasía total, no me di cuenta que, si yo tengo va 4 vistas. Bueno, 8 vistas en el fondo, tengo un instante de un objeto, que puede ser algo tan etéreo como un humo, y lo que tengo es una escultura. De hecho, es el sistema para escanear en 3D tener varias vistas. No? Entonces pensé de manera contraria. Bueno, pues voy a construir un humo, abuelas cultura e, pues es súper fácil, con una cámara lo puedo fotografiar y el espectador no se va a dar cuenta de que esto ha sido una escultura y voy a hacer como la trampa. No, entonces construyó este este humo con esta espuma expandida y con masilla y pintando letal y lo fotografío desde todos los puntos de vista. Con lo cual, tengo como este análisis de las 8 vistas del humo, y lo que hago es como congelarlo. Y realice esta exposición en Cuba, en Holguín, en la Casa de Iberoamérica. Los dibujos ya están en gran formato, con lo cual el mentalmente, tú viajas a pensar que son un maneras no piensas que vienen de un modo ahí escultura, escultura y son las 8 proyecciones con lo cual ocupaba el espacio, y estaba muy guapo cuando estabas en medio de la Sala Tú te convertirás, en el humo y los dibujos se comercian como en la proyección del humo. Bueno, pues tal era la idea que yo me imaginaba al poner esta obra en contexto. En Cuba creo que se añadía otro. Otro. Otro significado era que, que el humo, que puede ser la revolución, se congelaba en el tiempo durante 50 años, no. Entonces, la revolución, que es algo muy dramático y tremendo, de momento se se fosilizada o no me gusta llamarlo como humos fosilizados. Y bueno, era como ocupar el espacio esta obra como como ya Strata. Y bueno, volvemos a la sala. Como podéis ver esta idea de gabinete, de curiosidades, de maravilla, con todos los objetos que te invitaban a acercarte, a ver con este montaje, con estas obras, en las obras igual se repite esta idea de colección y de mapa conceptual de ideas y de acumulación de objetos que tienen como significados que después aparecen por ahí en la realidad, y aparecen citados en otros cuadros. También esta idea de la lupa representada que te incita a acercarte, pero, bueno, es un poco estúpido, porque tú te puedes acercar al cuadro y ver ya los detalles, y y después está está este. Este bodegón. La idea era captar cómodos instantes es el mismo cuadro, pintado con 2 iluminaciones distintas, por la derecha, por la izquierda, como si fuesen 2 momentos distintos, o la mañana, y tarde. Qué pintura tienen! No tiene mucho sentido, porque no se trata del instante de la pintura, se trata del tiempo. El instante lo trabaja, la fotografía, no, pero al pintarlo ya pintando un este bodegón un bodegón, ya estás captando el bodegón, no te hace falta pintarlo; en 2 momentos no, pero me gustaba esa idea, y en los cuadros y en las víctimas se encontraban estas postales, que son postales de cuadros que después nos vamos a encontrar en la exposición, con lo cual tú entradas puestas a la bella de postales, y cuando veías los cuadros en las siguientes, agradecidas, ostras! Uy! Si este cuadro ya lo he visto! No; un juego! Y este era otro! Bodegón! Con la misma idea de nuevo, y el humor representado como una. Es una, porque está el cráneo sólido de la, del grabado de Durero de la melancolía; la mujer está Eduard, Hooper también melancólica. Son elementos que se van, como repitiendo y unos con otros y también esterilidad del bodegón como acumulación de objetos pequeña, como un escenario para mostrar muy juego barroco de la teatralidad. Y bueno, pues sabían vitrinas con más objetos estas cerámicas que se veían. En el primer cuadro los primeros cuadros hexagonales este jersey pintado que es bueno que yo considero que soy porque es bueno, es algo 100 por 100 simplemente lo he primado confesó, no tiene bastidor, pero bueno es una pintura, no que después aparecerá en más sitios, tiene estas plantas góticas que recuerdan a Leonardo o Frank Gehry. Se convirtió en un artículo que va como ocupando los objetos y. Y después tenemos estos medallones joyas, camafeos o con estos collares estas vitrinas con estos retratos y esta es la primera obra que tiene un link directo con la colección del museo. El Museo contiene foco en la retrato. Tiene una sala, la sala 32, que son todos estos camafeos que en la época tenían un sentido porque era el retrato, no para conservar la memoria, para pedir matrimonio como no existía la fotografía, bueno, pues las pinturas, estas de miniaturas, era una manera de transportar a los seres queridos o de representar a la gente y normalmente la gente importante no porque valían bastante y hacer un retrato de la pintura, pero yo indagando en la colección, me doy cuenta que hay unos cuantos que son anónimos, que no tienen ni identidad entidad, y me pregunto si si no tienen nombre no sabemos quiénes son. Si hoy en día son un retrato, porque a lo mejor nunca fueron personas reales, simplemente fue una figura que pintaron y no existían, existieron, no estaban allí en el límite del retrato, y me apetecía un poco jugar y trabajar sobre esos no retratos anónimos que nadie les daba bola, ya y nadie les interesaba. Entonces me planteé voy a trabajar con esos retratos anónimo. No. El proceso de trabajo era yo ; cogía el retrato anónimo y la Universidad de Nottingham; tenía un proyecto en su web que era con una inteligencia artificial a partir de una simple foto. Ellos podían hacer una malla, 3 del rostro. Hacía falta tener varias imágenes ni mi perfil y nada, como en el humo, que tenían que tener varias imágenes, con una sola hoja, una sola fotos logra hacer un 3 de la máscara. Supongo que hoy en día ya habrá aplicaciones en el teléfono para esto, pero y entonces yo metía la imagen, me creaba una una malla 3D, con la media de 3, ya tenía la cara, tenía como una máscara de este personaje y yo podía moverlo. Con lo cual, podía volver a pintar, cogerle como modelo y volver a pintar ese personaje que ya no tenía identidad y y volver a pintarlo. Entonces, la idea era pintar 2 veces desde 2 puntos distintos a estos retratos, sin memoria no y volver a recuperar la memoria. También los museos se dedican a conservar la memoria. Entonces hacía como un rincón con esta idea. Y bueno, repetir el proceso con con todos los los 24, eran 24 retratos anónimos, el montaje lo hice con algunas de las piezas cuyas verlas con estas lupas, con lo cual podías ver los detalles, sí y verlo más cerca, que era muy guay esta cosa de incitar a la mirada de cerca y a ver una miniatura y al pegar la nariz al cristal. Como nos decía al principio, aquí tienes un ejemplo del proceso, no del original, la máscara 3 las 2 versiones. Y más versiones más, entre otros personajes. Y bueno, como veis, este planteamiento de Gabinete de Curiosidades, Gabinete, de maravillas y muy objetiva Yo quería que esta sala fuese como muy objeto dual para pasar a la siguiente sala que tuviese como una conexiones con las siguientes horas. Entonces, esta obra se conectaba con esos retratos anónimos. Yo auto retratado de nuevo con esos retratos anónimos, como cargando con la memoria también, como hacen los museos, y las colecciones, que es una manera de descargar la memoria y de conservarla y mantenerla, y esa es una carga pesada y representado de frente y de espaldas. Por eso, eran como collares y como está con me gusta esta idea de acumulación, fuese como una masa pesada. De nuevo se repiten estos estampados góticas y el pie, el plástico, éste me gusta que haya este contraste con materiales muy precarios, el cartón y la madera cruda. Crean común un Puig con con la manera de pintar, que es muy, muy detallista y minuciosa, y entonces creo que le da un segundo significado y bueno detalles. Fue una movida, porque tuve que pintar 2 veces después aquí estaban otra vez 2 veces más y en el otro 2 veces más, con lo cual Pinter retrató 6 veces, la gente no interesaba a nadie. Pero bueno, el trabajo del pintor no. Y esta es otro pequeño proyecto sobre el museo y era sobre el retrato ecuestre en la colección. Habían varios retratos ecuestres de los Reyes y claro, dijo Ostras. Este retrato ecuestre ya no tiene sentido hoy en día, ya no hay retrasos ecuestres. Los Reyes o el presidente del Gobierno, no creo que se vaya a hacer un retrato ecuestre entonces un género en extinción. Entonces yo quería hacer mi propuesta de retrato ecuestre o tal vez este es el último retrato ecuestre que se va a hacer en la historia del arte. No me queréis la idea, por favor, y de nuevo mi reflexión empezaba con con esta colección, mapa conceptual de postales con el que yo me aclaró un poco las ideas y eran obras que estaban en la colección, la parte de arriba son reyes daneses, que estaban en la colección del museo y bajó en el alma, en el árbol conceptual. Ya ahí como más confusión mental mía. Tal vez porque, por ejemplo en la izquierda, son versiones del cuadro del primer retrato. Quedan versiones del mismo cuadro y en el segundo creo que eran inspiraciones que el pintor tomó porque están estos cuadros de Velázquez y de Tiziano y Carlos quinto que marcan el género, pero la casa real, danesa en esta época, no era tan importante como el Imperio español. Entonces hay cuadros que marcaban el estilo y estas casas pequeñas, copiaban al estilo que se llevaba en la época. No se sé muy bien en el cuadro del centro, que es el Conde Duque de Olivares, que marca qué es muy antinatural este retrato del caballo de frente, y después se va del más antiguo, el más moderno o el más antiguo es a la izquierda y el más moderno hasta la derecha y y me ríe mucho, porque si os dais cuenta el más antiguo de la izquierda, el retrato es de perfil y según pasa el tiempo el cuadro, con el caballo va girando; se va claro; en la época barroca van jugando con el escorzo hasta que lo tienen totalmente de frente y después terminan estándar 3 cuartos que se usa hoy en día. Incluso en el último que es de 1919. Está el rey a caballo y yéndose al horizonte de espaldas. Entonces ese giro total desde el perfil hasta la espalda me parecía como maravilloso me pareció que era un descubrimiento que yo había hecho en la historia de la pintura y no creo que sirva para nada, pero bueno, está aquí en plan retablo como My, donde yo hago mi. Mi estudio es normalmente siempre trabajo con estos mapas, y voy a ir acumulando, y voy como organizando las postales, como si fuese un psicópata de estos Quiles de Netflix, y aparecen estas ideas que se que no, que no son reales, pero en mi mente es una mejor. La verdad. Y bueno, mi propuesta de caballo ocupaba el espacio, se descuenta, usó el arco, como los arcos de las ventanas. Como he dicho al principio. Y bueno, esta era mi propuesta de caballo de de retrato ecuestre. No. Eso es consideré que no iba a haber una figura de poder encima del caballo. Lo que hago es colgar estos camafeos que había introducido en las primeras ideas, pero sin retrato, como retratos anónimos. Saque el caballo en vez de cargar al poderoso carga a la gente anónima. Hay una cosa muy curiosa. Con el retrato ecuestre que caballo representa al pueblo, el dirigente dirigía al pueblo y el caballo si estaba en o si el dirigente fuerte lo manejaba y dirigía los designios del pueblo no. Entonces, el pueblo, el caballo, representa al pueblo en el retrato que estrenó y. Y es raro porque el retrato ecuestre lo que menos importa es el caballo. Nadie sabe qué caballo es esa nave, no sabemos si el caballo era o era entonces en esta propuesta mía, el caballo, que es el pueblo, dirige al pueblo, aunque ahora me parece un poquito más democrático, que una persona dirija al pueblo, y este este caballo sí que tiene personalidad, es el caballo de la cuadriga, que se encuentra en Venecia, en la basílica de San Marcos de Venecia; son 4 caballos de bronce y tienen una historia su rocambolesca porque pertenecían a Constantinopla, lo que ellos, Estambul estaban en la épica de Estambul. No se sabe muy bien si es del siglo III antes de Cristo del siglo -II, pero desde época romana, y cuando pasa a ser musulmán, Estambul, se convirtió en Estambul en una de las cruzadas en 1.200. Los venecianos roban, los caballos y se lo llevan a Venecia, acaban en la basílica San Marco, donde actualmente están. Pero es que Napoleón, cuando entra en Venecia se lo lleva y acaban en el Arco del Triunfo y después fueron devueltos a que los caballos estos han recorrido toda Europa. Literal y me fascinan sea me fascinaban estos caballos de nuevo, lo vuelvo como a ocupar con mis, que bueno, en este caso tienen, tiene más sentido, tiene bastante sentido, porque pensaréis que, que porque un caballo verde no, pero realmente las ciudades están llenas de caballos, verdes, porque todas las esculturas de la ciudad de la mayoría que sean produces oxidados, un verde no me gusta que cuando tú te acercas a saber el caballo, y si te enamoras es de mi estampado, y que cuando un día vayas por la ciudad y veas un caballo verde escultura en una plaza, tu mente Viaje a mi caballo y haya puesto esa semilla en ti, forever. Pero bueno, de nuevo son como cosas que 1 piensa y utiliza también mucho este suelo, un poco también para ocupar el espacio y yo de espaldas o bueno este personaje que soy yo. Poco ahí también, dentro de la narración y dentro de la historia, y en este espacio, también precario con plástico, con Hicks y. Y después le me gustaba que la pintura estuviese fuera de muro, que se convirtiese en una escultura juega con esta cosa de la pintura, escultura y que tú como espectador en la sala lo que desea recorrer, te lo encuentras en principio de frente y tiene esta belleza de la pintura, y después, cuando te vas a salir de la sala, lo recorre. Si ves a esta parte de atrás como muy precaria y muy en equilibrio y entiende la teatralidad y la construcción que tiene la pintura, que creo que es la pintura, que es un poco mentir y construir las cosas. Y bueno, ustedes, como el museo, tienen el foco en el retrato. Este es mi Autorretrato sin pelo. Con este retrato ganó el Premio Nacional del retrato en Dinamarca, Premio Nacional de los países nórdicos de la Fundación que organizaba ese museo en el 2017. Se podrían presentar todos los países nórdicos, Noruega, Islandia, Finlandia, Dinamarca y a partir de me propusieron hacer la exposición y bueno es un autorretrato. La temática es la melancolía y todos los elementos que hay igual a esta colección y estos elementos que aparecen ahí son sobre la melancolía; por un lado, están estos cubos, porque la melancolía es 1 de los 4 humores y su relación con los sólidos platónicos es el cubo con cada humor tiene una relación con un sólido platónico y el cubo es el sonido, melancólico y después los dibujos y la iconografía que aparecen ahí son todo sobre la muerte y la melancolía de nuevo mi jersey, está ocupado por estos y en el fondo en 1 están las representaciones, en la pintura de la melancolía masculina y en el otro, la femenina representaciones, en bueno en la pintura o en el arte femeninos, la melancolía. La posición está la cosa está es, es el dilema de de la melancolía cuando se ponía esta, que era una una pose melancólica. Y en la primera sala de objetos ya estaba dando pistas sobre estos objetos que íbamos a encontrar o que íbamos a encontrar dentro de los cuadros. No pongo esta foto para que recordemos la primera sala de gabinete de curiosidades y veáis el que tiene como indirecto con. Después había más 2 retratos más de nuevo este sobre los 4 elementos y Kubo y el salón sólidos, platónicos, y también estas cerámicas que aparecían en la primera sala también el suelo. Este con este, esta retícula, que uso mucho y autorretrato. Y otro autorretrato, como también otra idea muy recurrente, como cada cierto tiempo hago una cabeza cortada. Me gusta la idea que la cabeza, aunque es un autorretrato. Cuando estás pintando un bodegón lo analizas como como una simple forma, como si fuese un plato, un jarrón, pero es un rostro que tienes que captar la como esencia de la personalidad, no, pero cuando estás pintando una cabeza cortada lo convierte en objeto, no. Entonces crea ahí un punto, un poco extraño. Y ya pasábamos a la tercera sala. Como veis, era más, quería plantear algo de paisaje para que respira un poquito. De nuevo las formas juegan con la arquitectura, las ventanas están aquí, no se ven y bueno, la manera de que esta idea de paisajes se inserten en esta reflexión sobre los museos es porque esto es el Jardín Botánico de Copenhague no, y este edificio de cristal y metal, donde dentro se conservan plantas, no. En el fondo es un museo de plantas, se organizan, se clasifican las plantas se mantienen como un museo de planta. No me gusta esta idea de que de que es algo muy científico, donde todo está muy organizado, pero que entra si es como una selva y más hay en Copenhague que hace tanto frío y ahí es crisis, está ahí como un vapor. De nuevo introduzco este suelo, que es como soy yo, ocupando el espacio tal vez. Y esta idea de y de interior museo de plantas es la biblioteca que el Museo de Copenhague, que también tiene un gran hall entre las alas de las distintas partes del museo. Pero la parte central tiene estas, este sitio de plantas como si fuesen o una colección de obras de arte. Pero aunque son palmeras y de nuevo en el suelo, ocupando el espacio. Y después de nuevo el Jardín Botánico pero esta es como si fuese una mochila. Tú puedes cerrar y te puedes llevar como si esta conexión de plantas, este Jardín Botánico, que es un museo de plantas o una colección privada de plantas, tú te lo puedes llevar como si el paisaje fuese transportable, que es una idea también muy muy sugerente. No poder llevarse con un sigo con 1 mismo. El paisaje. Aquí se ve porque estaba montado en éste como maniquí y también con plantas con con él, con la estampado de esas plantillas que van ocupando el personaje y colgando el el cuadro que en este caso es el Jardín Botánico pero el edificio. Y cómo vais aquí? La idea está que os decía del humo como indicio de que algo está pasando ahí que es un incendio. Y qué va a destruir el edificio? Esta obra es de cuando se quemó Notre Dame y estaba muy y me dio por pensar que el edificio es muy bonito, que si se quemase la gente flipar, ya vivía. Ostras, pero si piensas realmente que se está quemando toda esa selva y que a veces no no no no no apreciamos que una selva vale tanto como un edificio y a la vez es a cerrar con las plantas. Cierras esta escena dramática, crea tomo. Hay un juego muy como muy activa. Muchas cosas. Y después, este es, dentro de esta idea de colección y de museos alternativos y de ideas con más. Esta es una colección de plantas como para un jardín estos rollos en Dinamarca. La gente antes de primavera, en marzo, ponen aquí las las semillas. Para después la ponen en las ventanas que le da la luz y calefacción, y hasta que crecen los brotes y después cuando vienen la primavera lo plantas otras plantas a tu jardín no entonces alguien Dinamarca es muy obvio que ves esto y es como que van a crecer. Plantas. Y las postales están dando pistas sobre las plantas que van a surgir, las postales son sobre grabados de la flora, Danica, que es un proyecto que se hizo en 1.800, que fue catalogar todas las flores endémicas y autóctonas de Dinamarca, no las que puedan crecer, sino todas las que crecen de manera natural se iban a y, como sefardí como 80 años y son muchos grabados sobre sobre botánica de Flora Danica. Entonces, la gente en Dinamarca, como que relacionaba muy directamente los brotes que van a salir con esas grabados de la flora, Danica es, como muy muy muy danés. Está este cuadro muy danés y esta idea de que cuando tú tienes un jardín en el fondo está obteniendo una colección privada de las plantas que te gustan estas como tu jardín, por colores, por texturas, por por tiempos, porque muchas veces plantas flores, para una época que después mueren y otras florecen por color y por colores compensando, que no solo no todos sean a la misma vez. Entonces, me gustaba mucho esa idea de la colección salvaje de plantas. Y, bueno, con esto terminaba esta exposición, y me parece que iba ido muy rápido. No sé si ha ido como a todo, a toda mecha, tengo la última exposición de Valencia. Se cree la podemos ver o pasamos, si tenéis dudas. Y si no, vamos a ir a cuchillo? . 717 00:47:32,520 --> 00:47:34,480 Bueno, me he quedado maravillada con tu trabajo, pero, pero esta obra me han dejado perpleja, porque algunas son todas, son muy minuciosas y, claro, hay tantas texturas detalles. Cuánto tiempo va cada cuadro pinta Sí? Sí? Sí claro, porque era algo muy lento e incluso es algo claro. Eso es una disciplina que poco va a contratiempo precisamente de los tiempos actuales que todo es muy inmediato, muy rápido, no, y no estamos acostumbrados a lentitud, y yo creo que también justamente trabaja dentro. La pintura es ese, lo que la lentitud ve como un acto subversivo de alguna manera, pero, claro, pierde tu trabajo, es que es una lentitud máxima, por lo que yo creo porque hay tanto detalle, no soy muy productivo en la idea, es llevar varias cosas; a la vez entonces vasco es un poco mareo, pero vas como trabajando con los pecados y llevas 50 como hombre orquesta llevar 50 cosas a la vez. Entonces, al final, al pasar un año tienes porque si empieza a contar claro cuánto tiempo tardó en un cuadro o con una pieza! Hay una pieza grande, igual son 5 meses, 6 meses tocados y he estado pintando 5 cuadros en 5 meses, solo un mes por cuadro. No? Entonces es como el baremo, pero, claro, en estar encerrado en el estudio vivo en Dinamarca no hay una cosa que hacer entonces las 3 media desde noche. Entonces, pues no quería que fuese esto un poquito presencial, a ver si me trae aquí y me habéis obvio, pero en cambio, el verano es más largo, anochece a las 12 amanece a las 4 Entonces, los ritmos son muy, muy distintos, pero sí el incita a trabajar ya. Pero bueno, si tienes que echar horas y horas, horas también en la planificación, no son cada obra, tiene una planificación. Entonces no sé decir, pero vamos. Si me me ofreció nada, quiero hacer una individual por haber ganado el premio de retrato, no y claro, me lo individual, obvio, no era mi oportunidad de mostrar allí mi trabajo, no, pero quería que fuese como un proyecto específico que no fuese simple también. Tal vez ellos esperaban que fuese todo el foco sobre el retrato y yo, como que quería hacer algo de paisaje, quería hacer más cosas y enseñar un poco también que se viese proyecto o que no fuesen simplemente cuadro, sí? Entonces, yo me auto exigiría hacer un proyecto como este, no? Entonces, tal vez ellos hubiesen estado feliz con otro tipo de exposición más sencilla, no como querían obra mía y, pero me sirvió para sacar obra también y gracias. Montoya. Entonces, yo, porque no se atreven a preguntar, y pregunto yo. Vemos ya en una exposición internacional como Cumbre no toda tu evolución trayectoria artística después de 20 años trabajando claro, después de 20 años trabajando, etc. No Qué hombre, aún te queda mucho recorrido! Pero yo creo que es interesante, al menos desde el punto de vista de estudiante de aquí de la casa, ver cómo un estudiante de Bellas Artes consigue vivir; ahí en Copenhague, exponiendo la como es que no hay camino si no hay caminos que nos dice tenéis que hacer. Esto no va a funcionar, seguramente cada 1 se hará; a mí me interesa y me interesa tu camino haciendo cuentas, que yo creo que en cierto momento en la crisis de 2008 me fui a vivir a Brasil, y creo que ahí fue cuando mi mente como que viajó, como que se enriqueció y a partir de ahí nunca he estado ya. Así que no he vuelto a España de manera muy constante. Tuve la oportunidad de tener becas, también conseguir Alfonso Roche. En 2013 tuve un proyecto para irme a México y a Brasil para hacer una exposición, un proyecto de investigación sobre el paisaje, el paisaje en las grandes ciudades, como México, DF y Sao Paulo, y con esta cosa de la pintura clásica de paisaje y esas ciudades tan nuevas y tan tremendas. El año siguiente tuve eso fue en 2013 San antes había hecho una estancia de un año en Brasil con una galería que me invitó a trabajar allí y después hicimos una exposición me invitaron a la Bienal de Bolivia. Me encantó Bolivia, tenéis que ir a Bolivia; Bolivia es el mejor país del planeta y me quedé allí 3 meses a vivir, porque esa es increíble y porque no podía vivir más, y me tuve que ir a Brasil. Salir del país y a los 3 años volví y la exposición de 2012. En Cuba también me invitaron. Pues. Lo primero es que que es distinto tener tu estudio con tu música clásica y estar pintando que adaptarte a viajar hay que adaptar el estudio del viaje. Cómo estos paisajes mochila? Entonces hay que ser flexible, materiales, tal vez porque no encuentras los mismos óleos, pero al final, cuando entiendes que lo que tienes que hacer es pintar, hoy en día todos los por muy malos que sean, los materiales son muy buenos. Entonces encuentras en todos lados, un solo minuto en la verdad. Entonces te vas como adaptado, pero tienes que tener esa mentalidad de adaptarte. Y después, si al principio pensaba, llegó a Brasil y ahora toca Brasil, pero es que Brasil todavía no ha entrado en ti. Cuando te vas o al final está estás entendiendo. No? Entonces creo que con el tiempo vas viendo esas influencias en tu trabajo, pero no es que viajas a un sitio y haces una serie que habla sobre ese sitios, me parece súper falso. Creo que esa mochila se va cargando, entonces, tienes que ser muy consciente de que llevas y cómo evoluciona, y después se ha mojado. Cuando llegas aquí te choca, lo que ves aquí y lo ponéis en contraposición, y tu obra es muy brasileña. Por ejemplo, no. La melancolía, claro, Un invierno en Copenhague dijeron nuestras, este Jesús Herrera, este tiene que ser español, la melancolía exacto. Si también esta cosa de la marca me afectó mucho, el las las estaciones del año, allí en la primavera -primavera, todo se pone en flor. Entonces, por eso está esa cosa de ostras y el verano es verano y los días son súper largos y el otoño todo está amarillo -naranja y el invierno no hay nada, pero cuando viene la primavera, está como loco, entonces es muy guay esos filtros aquí como que no tenemos esos ritmos tan tan pronunciado aquí es calor o frío y es muy guay, es muy guay. La verdad es que cuando entonces a salir a la calle la gente está llevando la primavera y ver las ventanas ya con estos brotes es como ya está viviendo la primavera y ves crecer las y es como muy vuestras, está creciendo la vida, no después de un invierno tan, tan duro. Entonces sí? Por ejemplo, ahora entiendo muchas cosas cuando llegan oversize, sustancia curioso o no y después dices Ostras han cambiado, entonces sí se afectase. Y bueno, en este viaje que os digo, el año siguiente tuve la Academia de Roma, que fue un poquito volver, como a esta cosa de pintura clásica, de los referentes, del gran viajero del Tour. La Academia de España en Roma es si conocéis la institución, supongo o no es una de las becas que tenéis que intentar tener, y eso fue un momento muy para mí como algo y fue un poquito después de viajar mucho por Latinoamérica, que tal vez ellos tienen esa mirada, muy sin historia, como muy fresca y muy contemporánea, y que creo que era muy guay para mí y que ahora digo estas. Qué bien que tuve esa experiencia! También fue un un reset para volver a mis orígenes, no a la, porque yo tuve un Erasmus en Venecia salvado y no haberme. Entonces tenía esta cosa clásica; después esta cosa contemporánea devolverá a esta cosa clásica. Era como muy muy guay, y después estuve en Madrid en la Casa Velázquez, 3 meses y después ya decidí como mi chica danesa. Dije, bueno, voy a ir a Dinamarca, a nivel personal y tal vez es interesante para nosotros como empezar desde 0, porque, claro, llegas a un sitio, tienes que empezar desde 0 vosotros estáis un poco entrando en este mundo profesional; no es un poco de por dónde empiezas; no, supongo que lo que tienes que hacer es empezar a enseñar, trabajar y empezar a enseñar y buscar oportunidades y aplicará todo, pero tienes que enseñar y hacer un working. Es la manera de ubicar. Y bueno, cuando llegó a Dinamarca el siguiente año ganó el premio de retrato; después me proponen hacer la exposición de la pandemia; el mundo se termina, todos nos quedamos encerrados y, y yo creo y a partir de la exposición vieron en el Museo Nacional de Retrato, en la Galería Nacional, que yo era capaz de afrontar un proyecto con rigor, con profesionalidad, y me proponen hacer el retrato de la princesa Mary de Dinamarca. Estuve todo el año pasado trabajando en el retrato y se presentó este febrero. Entonces era como una manera de devolver a la sociedad danesa todo lo que me están dando y de dar tu punto de vista. Sobre sobre Dinamarca no fue un punto, ha sido un poco como impactante para mí pero, bueno, ahí está esta. Entonces, bueno, pues como navegando parecen esas oportunidades. Si nos hemos adoptado mutuamente, bueno, llegas a un sitio y tienes como que echar raíces, no y entender el país, y ya digo, buscar tu lugar, o, si te quedas aquí tienes que buscar tu lugar también. No, también tenéis que buscar la ciudad que os gusta. Tal vez Madrid es interesante, pero más y a veces pesa, o Barcelona y desde las periferias, también se puede crear, para ver, en ese caso, tendríais que cómo organizarse, hacer cosas fuertes desde Murcia, no. Tal vez para tener más fuerza entre todos. Cada 1 hace su camino. Bueno, no sé si presenta. Vamos a toda mecha por la exposición, o que esta es más densa que la anterior. Bueno, porque pintura caníbal y lo mismo, la idea, esta idea paraguas para bueno es un clip de y no es cómo va para que la gente entrase en la Expo, no, pero bueno, esta idea paraguas de la exposición para organizar pintura, caníbal, pintor como pintura era la idea, como que yo, como pintor, me alimento de otras pinturas de otros géneros entonces pintura caníbal pintor como pinturas súper claro para mí como funcionaba total y además el título era como muy impactante y muy urbano, se hizo en la sala del móvil se terminó en septiembre ya no podéis verla y tenía 2 salas muy grandes. Entonces, en este caso la la idea de recorrido era un poco el viaje etnográfico. Esta cosa de ir a descubrir el mundo, viajar y descubrir el mundo, y la segunda sala era descubrir al otro como el retrato y la manera de descubrir al otro y descubrirse a 1 mismo en el autorretrato, porque yo trabajo el autorretrato también. Entonces, cómo queda esos 2 focos? Mirar otro paisaje y descubrir cosas que también la pintura te hace, descubrir cosas, y el retrato y el autorretrato. Bueno, en la primera sala era una reflexión sobre este pintor, que es un pintor del MDC que viajó a Brasil. Yo esta obra la conocía porque en Brasil todo el mundo las conoce porque son las primeras representaciones pictóricas de Brasil, pero claro, 1.600, pero era una parte del norte de Brasil que era holandés y invitaban a esos artistas, y este artista pintó la las distintas tipografías de habitantes de Brasil y y frutas y verduras no como etnográfico después dejó de ser holandés. Esta parte de Brasil volvió a Holanda y en el año Equis se la regaló al rey de Dinamarca, y 3 acabaron en esto, está en el Museo Etnográfico de Copenhague, y yo estas obras las conocía, y cuando las vi dije. Ostras estos Alberto y claro para mí que tenían un link muy, muy directo, no. Entonces él tiene esta serie de frutas y verduras de Brasil y me pareció como súper interesante trabajar sobre sobre ellas. Primero, empiezo con estas postales, que son las copias de las postales de Albert Camus, y después yo realizo estas obras que son las mismas obras, pero sin las frutas y las verduras; no. Esta idea de llegar a palacio al rey y decirle Su Majestad aquí tienen entonces cielos de Brasil, no es como traerla, nada, no, o tal vez que llegamos allí y rodamos todo y sólo pudimos dejar el paisaje porque el paisaje no se puede robar, o esta cosa temporalidad del paisaje, que no se puede como cogerlo. Pero, bueno, era una obra como muy poética y la idea de borrar y crear, y esto era una nueva versión. Yo, como explorador español, que ha llegado a descubrir Dinamarca, pues me pongo a documentar las frutas y verduras, danesas típicas, como las coles de Bruselas, las fresas, un poco creando este paralelismo con con las obras de caos y esta cosa de que tú llegas con esta cosa muy pretenciosa de que tú llegas a descubrir, a descubrir. El mundo no parece que llega si quieres descubrir las patatas. Las manzanas son muy famosa en las manzanas danesas, y las patatas. Y las fresas y frutos rojos, como. Pero, bueno, las patatas vienen de América. Y después, al igual que Albert realizó, están, el tiene estas de los habitantes del Brasil holandés y yo realizó la misma reflexión, pero con los indígenas tan eses, la mujer y el hombre danés con esta bicicleta de Christiania cargo que lleva a los niños y ayer en el fondo se ve mal que Suecia es una parte de la costa de Copenhague. Cuando me planteo hacer el retrato de los indígenas daneses tengo que ponerle cara, en este caso utilizó este retrato de este artista, de 1919, que es danés, que tiene como Estrada Nieva y bueno, yo lo traspasó a al dibujo no, pero un poco pensando en esta idea pienso cuál es el retrato del hombre danés y la mujer danesa; no. Entonces me planteó este proyecto de documentar mujeres y hombres daneses pero de acuerdo a las nuevas demográficas, porque, claro, tienen un grandes gran porcentaje de inmigración turca alemana de Irak y Siria también de Asia también de Etiopía y claro. Estas minorías ya son un 13 por 100 van a cambiar el retrato danés. Entonces, me gustaba un poco como analizar estos retratos, pero de acuerdo a teniéndole a las nuevas demográficas no o a los nuevos porcentajes demográficos del país, pero después había un twist en la reflexión, y es que yo las fotos donde me he documentado para pintar estas mujeres danesas no existen, esto es el proyecto de envidia de que genera caras con una inteligencia artificial y no son personas reales Yo he pintado a partir de estas fotos, que son, con lo cual estas personas no existe, nunca han existido porque por la cara no puedes ver la nacionalidad. Una persona que esto es un absurdo sea yo ahora mismo ya seré danés no, o algún día seré danés, obviamente, bien. Rubio y bien alto. No es que esta cosa política de catalogar a la gente política por la cara es como muy peligroso. Entonces bueno, había ahí como una especie de turista de nuevo como estas cosas, mis objetos, que era como una especie de selva que conectase todo, como que el estampado mío apareciese por ahí también construye estos bancos para que presentase, para ver las obras. Recupere esta obra que hemos visto también con las plantas se conectaban y esta sala ya entraba de lleno en la parte esta, de retrato y autorretrato que habíamos visto y sobre todo quiero enseñarnos esta obra, que es lo último sobre lo que estoy trabajando y a ver si, así como que o lo presento porque es como lo último que estoy haciendo. Esta serie es autor de retratos paisaje lo llamo son paisajes, pero son retratos. Y lo dejó la las reflexiones. Este, por ejemplo, es mi autorretrato por la mañana y por la tarde. Este es mi autorretrato, este soy yo. No sea usted de acuerdo, estamos de acuerdo, no estamos. Estamos en el montaje. Lo montado un así muy informal y este soy yo. En el futuro en mi paisaje también hasta aquí todo correcto no bueno la reflexión salía a partir de esta obra que me interesaba, la obra está Daphne, convirtiéndose en laurel, que es muy bonito. Esta escultura de Bernini es maravillosa. Y esta idea de qué en este punto la mano es árbol, el árboles mano, ninguna cosa, ninguna, ni es malo, ni es árbol, pero es mano, y ese árbol no es tan común. En el medio y en respuesta a esta idea de que la mano. La mano habla mucho más de una persona que el rostro porque puedes ir a una que puede leer la mano y decirte tu futuro y tu pasado tienes más información en la huella dactilar y en la mano en el rostro, y nos empeñamos en hacer retratos con el rostro. Tampoco tendríamos que empezar a hacer retratos con las manos. No digo yo, no sé entonces, fue una que me hiciese bueno. Yo le pregunta específicamente cuál era el punto más interesante de mi mano, pero me escribió todo esto. Yo no llegué a entender muy bien si era interesante. No era interesante a partir de la mano hago una impresión, o sea un esto no sido una impresión de la palma de la mano algo negativo me me quedo solo con la palma y después con un programa de Data, al blanco, la asignación por fin y al negro le asignó 0, cota 0, los grises, el porcentaje, con lo cual al final tengo como un objeto, pero a partir de datos no es a partir de una un negativo de la mano, sino que estos son los datos de la palma. De mi mano. Que se supone que tienen la información sobre mi futuro y mi pasado y entonces yo tengo este objeto. Volume Trico que con un programa de paisajismo yo puedo introducir una biblioteca de elementos, árboles, rocas, y, y me puedo meter ahí dentro al punto exacto que me dijo la pitonisa que no me lo dijo, pero que era muy interesante en mi mano muy especial. A y después con estos programas de arquitectura, tú puedes cómo poner el momento del día la luz las plantas como increíble como un videojuego o no yo yo yo yo flipé con con estos programas, cómo puedes crear una realidad, tomar una foto y tienes información suficiente como para pintar. Entonces, bueno, ahora entendemos, porque es mi autorretrato, no sé si tenía sentido, pues hice este cuadro como conclusión, ahí aparecen el la roca, esta de datos de la palma, de mi mano de nuevo, el humo, que da esta idea de que algo va a pasar. Algo está pasando ahí y, bueno, mi paisaje y bueno, claro, Yo soy yo en el futuro. Nuestro ritmo era alcohólico yo lo he cogido con el fax, a esa aplicación que te hace viejo. Coge esta foto, y me hizo que también me parece flipante que la inteligencia artificial te haga viejo, y yo digo. Ostras, mira también predice, que tú eres viejo. Oye, pues voy a envejecer uruguayo, me viejo. Así más que ahora. Y bueno este sería como el conjunto mi autorretrato no la el dibujo en carbón del sólido los 2 bocetos de otros momentos del día. Yo en el futuro de la palma de mi mano y mi retrato y el palo selfi con el vídeo como que indica que es un autorretrato esta es mi chica también en su paisaje y esta es mi su humano y su paisaje retrato, y después de eso hice el la misma idea, pero con artistas que tenían obra donde aparecían sus palmas de la mano Bueno, en vídeo o foto, y entonces con tenerla Palma podría hacer retratos paisajes de sus palmas, estas Lygia Clark también como residuo aquello que decíamos del objeto residuo están ahí las manos, pero después aparecen en los cuadros también dentro del paisaje siempre hay atados este sello, esta persona admitida mítica, con Ligia Clar, con el símbolo del infinito que está jugando con las palmas de la mano. Muñoz y Bruce Nauman entonces era como un poco de hacer un diálogo y hacerles un retrato, pero sin su cara, con su, con su palma, de la mano bueno la exposición cesta recoveco con las cabezas cortadas recopile todas las piezas cortadas, que tenía de varios años, me ponía mucho esta idea una y después aquel cuadro ya le había mostrado este soy yo también en el futuro, con el viejito oscuro esto bueno y después la exposición al hablar del retrato terminaba con el último trabajo, de la princesa de Mary de Dinamarca. Me prestaron 1 de los bocetos finales, el cuadro estaba la Dinamarca. Claro, este es el boceto final. Aquí hay un vídeo del. Un vídeo del proceso para documentando todas las capitales. Empiezo con una grisalla haciendo un labrado y después. Con los colores complementarios para que estén bajo y que tengan una vibración. Trabajar con peladuras todo. Pues. Un poco siguiendo ahí ajustando el color de la piel, pero bueno, la vibración del verde que está dentro de la epidermis le daba un toque muy, muy real. Como si fuesen las venas. Y está en el cuadro final? Creo poco la idea de enseñar los últimos proyectos que había hecho en Dinamarca, que no había mostrado en España, pues funcionaba un poco para mostrar los últimos 4 o 5 años de trabajo y este era como el final y bueno, hemos ido a toda velocidad, pero lo hemos logrado. Yo creo que, bueno, te agradecemos que haya mostrado estos proyectos, porque justo los alumnos de tercero tiene la asignatura de proyectos y hasta ese momento terminan. Aquí hay alumnos de. Primero lo demás está más acostumbrado a ser proyecto claro pero lo primero segundo de momento claro obviamente están teniendo una formación básica y lo que estaba acostumbrado a trabajar, pues ejercicios puntuales, claro, y la idea de proyecto y no la tienen, no saben lo que es, no, y entonces me parece interesante poner como ejemplo para que vean lo que contó en su aprendizaje, en el primero segundo y tercero, todo realmente lo ha enfocado, que cada 1 desarrolle su propia idea, su propio tema y que elija su propio lenguaje, no para desarrollarlo, porque el fin último es seno en tu obra. Se ve muy bien ese proceso y también en tanto en mi posición como en otra, muy interesante el pleno. El montaje expositivo, como cual organista, que no son, no te limita únicamente a algo más tradicional, un cuadro básico, sino que hay dibujos vitrinas a instalaciones, Cultura podrá algún tipo de otro pintor expandidas y de todo. No me gusta que haya recorrido que el espectador sea un poco más antiguo, porque creo que es un poco aburrido para siempre. En el muro también puedes jugar con los ritmos no, pero claro puesto los ejemplos más ambiciosos, son 2 grandes exposiciones, a veces tienes una pequeña sala y juegas, solo con la pequeña activación y haces un flash no para que te impacte, no, entonces cada exposición tiene un lenguaje, no estás como bastante ambiciosa, porque también tenía que recopilar muchos proyectos y cómo engarzar los que hubiese como una linealidad. De ahí la importancia de tener un tema común y después. Pero bueno como si tú eres sincero con tu obra y es coherente, no hay mucha dificultad en ello. Sinceridad es la el punto. Me gustaría incidir, como si tú eres muy sincero con lo que haces todo va a funcionar, va a fluir muy bien. Si me preguntas, aquí dejamos la conferencia. Muchísimas gracias, Jesús.