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Bueno, pues muchas gracias por asistir. Hoy, estamos aquí para presentar la al autor de la Conferencia Inaugural del Máster y puede decir que me siento muy honrado de poder presentar hoy a a un gran artista, Santiago, Talavera, que nació en Albacete en el año 79. Objetivamente, sigue siendo un artista en estado de plenitud que tiene muchos años por delante para seguir haciendo una obra, pero hemos que tan menos, tan interesante como la que no ha mostrado hasta ahora. La verdad es que podemos decir, Santiago, Talavera, que empezó bastante joven, estábamos comentando antes que, efectivamente, ya en el año 2005 hizo su primera exposición en la Galería Blanca Soto. Entonces, este tiempo, a esta parte, pues ha sido un continuo, un continuo parar, dentro de que es un trabajo Podemos estar de acuerdo, que no era especialmente un artista. Prolífico, porque tú es una obra que efectivamente dedican mucho tiempo y seguramente son las cosas más interesantes que hay en el trabajo de Santiago talaverano, a mí me gusta mucho que esté aquí este año para poder hablarnos de su obra El título creo que se llama el título de la conferencia. El pasado ahora sido un planeta extraño, que es el mismo título que tenía tu última exposición, que pusiste, pues el año pasado en la Galería Valenciana, Gabinete de dibujo y exposición que recibió el premio también a la mejor exposición dentro del Festival de Valencia abierta. Entonces, eso ya dice mucho de la calidad artística de su trabajo y decía que que me da mucho gusto que esté en la conferencia inaugural del máster, porque bajo mi punto de vista es una artista muy poliédrico, polifacético en el sentido de que no tiene una técnica como tal, sino que viene al contrario. Lo que hace es que hace suya cualquier medio o cualquier procedimiento cualquier técnica que crea que le puede servir para canalizar o para bueno, transmitir un poco ese mensaje que quiere contar a la sociedad. El mensaje en su trabajo. Es muy importante porque no sabría muy bien si es un una activista y con el tiempo, pues utiliza los medios visuales, los medios plásticos para para transmitir un mensaje o casi casi, que es una artista, activista, no, pero es cierto que más allá de de su trabajo que tiene una técnica depurada, tiene un estilismo, un preciosismo, un trabajo seguramente fuera de lo de lo convencional o fuera de lo que estamos acostumbrados a ver, no porque pareciera que los tiempos en los que nos cuesta hacer una sola cosa a la vez que el tiempo va tan rápido que parece que estamos viendo una serie al mismo tiempo tenemos que está consultando el móvil en estos tiempos en los que el concepto del tiempo pasa a tal velocidad. Yo creo que es cuando más hay que llamar la atención y más mérito tienen emprender una carrera artística, que yo entiendo que así es como si fuera un viaje de un salmón y contracorriente. Porque el trabajo de Santiago es un trabajo muy elaborado, de podríamos decir, incluso de una acabado técnico, visualmente, muy atractivo y que, sin embargo, como comentaba antes, pues tiene una carga de profundidad bastante potente. No está hablando desde lo humano. Si tuviera que definir qué es lo que hace Santiago seguramente es una artista que reflexiona pero que también, que hace reflexionar no 1 no puede permanecer impasible ante una de sus proyectos, una de sus obras, y eso es una de las cosas que más me interesa. Primero es ese sentido esa amplitud de miras de ser capaz, de plantearse una exposición de dibujo de grabado o tratar con el videoarte una instalación, un artista comprometido que es capaz de llevar su propio estudio, una galería de arte, para oír un poco del espacio en blanco, de alguna manera para desligarse de desprenderse de todo lo material y volver a empezar de 0, ese nivel de compromiso, de, de llevar la parte más personal de un artista, porque al fin y al cabo es poner es ponerse, no, pero la obra se produce en un espacio como muy íntimo, muy personal. No está dispuesto a mostrarse de esa manera me parece que ya dice mucho de su trabajo, no, entonces creo que para los estudiante de máster y también para porque no para estudiantes de grado puede ser muy interesante precisamente eso, esa capacidad que tiene casi como si fuera un caleidoscopio, a la hora de enfrentarte a todos los procedimientos, todas las técnicas que pone de alguna manera en virtud de un acabado final y sobre todo también comentábamos en la comida de que muchas veces muchas veces por la, por los tiempos que vivimos, parece que desechamos buena idea precisamente porque no requieren de un sobreesfuerzo o requieren de mucho mucho tiempo mucha dedicación, y no vamos a saber nunca si somos capaces de rentabilizarlo cuando el propio, si realmente pensamos que es una cosa pertinente, deseable. No tiene sentido y realizarla el error, sería no hacerlo. Entonces ejercicio de resistencia me parece que pueda aportar muy mucho a al estudiante. Tenía aquí un currículum, un currículum, un montón de páginas de Santiago y es verdad que, bueno, ha expuesto en un montón de galería digo, pues Diego, Kaleri gabinete de dibujo, Blanca Soto, trabajar pues bueno, con galerías también en Londres una de sus últimas exposiciones también el título es House en el CEART de Fuenlabrada, en Madrid y ha ganado el premio en la última residencia a la que va y que será este mismo año en una residencia artística en Harding en Marrakech pero bueno también pues bueno ha sido primer premio en la muestra internacional Gas Fenosa en A Coruña -beca, Pilar Montalbán en Elche, en el año 2009 Premio de Artes Plásticas de la UNED de Madrid en el año 2008, ante un montón de premios, no un montón de exposiciones colectivas, pero yo creo que en cualquier caso, lo que no interesa es que que hable el artista y que nos pueda mostrar su trabajo. Gracias. Muchas gracias. Muy buenas tardes, gracias a todas y a todos por venir, primero de todo, dar un agradecimiento a todo el equipo de Máster de producción y gestión artística particular, Aurora y Antonio regar por esta. Estaba este fantástico día esta comida tan agradable. Esta conversación para mí es un placer estar de vuelta en Murcia llevaba hace aproximadamente un año y medio, en mayo de 2021, estuve también en encender impartiendo una conferencia en aquel momento, después del año de pandemia aquello era casi, casi como un, como, como un paraíso no debe estar de vuelta, volverá a ver caras conocidas, y creo que, desde esa experiencia pandémica, parece que cualquier motivo para para juntarnos y para poder compartir conocimiento, compartir experiencias se siente cómodo, doblemente importante, doblemente singular y especial, como digo, encontrar además estos momentos. No, no es cosa tener poco en cuenta, porque es cierto que yo tengo la sensación de que no es fácil hablar de ciertas capas de profundidad que tiene la obra que se realiza, sobre todo si tenemos en cuenta que en muchas ocasiones las las circunstancias son una feria, una exposición todo ocurre muy rápido. Las conversaciones son muy cortas, a veces se habla de la obra y si se accede a una serie de capas, pero se quedan muchas otras fuerte fuera porque no hay el tiempo, no hay muchas veces la posibilidad de ahondar un poco yo voy a desplegar algunas imágenes de obras que he ido realizando en estos últimos 5 o 6 años también algunas de mis inicios no las voy a ir mostrando en un sentido cronológico. Más bien las que me van sirviendo para ir disparando algunas cuestiones que están normalmente en mi obra, como puede ser el uso del tiempo y el espacio estarán ahí y otras cuestiones que he pensado que podrían resultar de interés, que tienen más que ver, pues como con, como parece que a veces tenemos una cierta retroalimentación entre nuestra práctica, entre nuestra práctica artística y el presente tan tan difícil y tan incierto que nos ha tocado vivir. Es un presente este que estamos viviendo, que consideró que ya tiene esas trazas de del tono de un siglo. No había un sociólogo que hablaba de que los. El tono de un siglo no es. No se define a partir del año 0, a partir del año 10, sino en la segunda década no creo que en cierta manera nosotros nos enfrentamos como artistas a grandes desafíos, como sería, como dije en el texto introductorio de esta conferencia, un difícil ensamblaje de Cambio Climático, insostenibilidad y crisis de relaciones humanas. Nos enfrentamos a ésta a estas cuestiones que parecen preguntas bastante difíciles de resolver, bastante gigantescas y en muchas ocasiones como artistas, no sabemos si ha sido acudir a lo global, a una respuesta más global o más lo más local, cada 1 cada una hacemos lo hacemos lo mejor posible. Yo espero que las cuestiones que que digan a conferencias puedan resultar de interés y si os apetece más adelante. Cuando termine Podemos podemos tener un pequeño debate, si os apetece, Por supuesto. Bueno, quería comenzar hablando de una cuestión importante en mi obra, de la que no siempre hablo y es la relación con el tiempo, hay una vinculación entre espacio y tiempo, pero el tiempo tiene. Tiene mucha relevancia en muchas ocasiones cuando muestro obras, sobre todo las de gran formato. La pregunta más lógica, más rápida que la gente, suele hacerme, es que cuánto tiempo me ha llevado a hacer esta obra, es lógico, es entendible en porque a veces se convierten en empresas bastante, bastante, bastante locas si se tiene en cuenta que he podido tener una obra en la pared, un año o algo así, pero al responder algo como, pues 4 o 5, 6, 7 meses, 1 se da cuenta de que los números no, no, no tienen ninguna explicación, no tiene ningún sentido. Lo que si realmente 1 toma consciencia es de que la superficie de esa obra se se solapan, digamos, una infinita cantidad de conversaciones de canciones, de ideas que han surgido de ese momento, todo tipo de anécdotas como otros artistas, que llegan y te comentan lo que lo que opinan de esa obra siempre me da, que me da que pensar que esta es una de las grandes diferencias entre las artes plásticas o la pintura, con otra disciplina, como sería la música no en la música. Por un lado tendríamos la tenemos la interpretación, por otro lado, tenemos la partitura y por otro lado tenemos el instrumento; son otros 3 cosas completamente indivisibles y, sin embargo, en la pintura tendríamos todo eso solapado en una misma superficie no hay posibilidad de hacer añadidos, de hacer revisiones futuras; no de alguna manera. Siempre he pensado que soy un pintor, que Sirte siente celos de los músicos. Esta obra se titula desde el vomitorio creo que tiene la fecha mal, porque cree que es de 2012. En. Bueno, tiene ya 1 de estos temas, como me comentaba, un tema recurrente, que sería la ruina contemporánea. Recuerdo que esta obra la hice después de ver imágenes de los estadios de fútbol que fueron tomados por naturaleza después del Mundial de Fútbol de Sudáfrica. En 2012 había decenas de ellos abandonados, y ya a pocos meses después del Mundial, ya estaban comidas por naturaleza, no. En esta obra se puede ver cómo otro, como este tema del tiempo, está también presente a viendo cómo, como esta cuestión de la fugacidad de la ciencia, de la imagen está ahí presente, no habrá. Hablaba José Antonio al principio de esta cuestión, de la velocidad de estos tiempos, de la inmediatez y recordaba hace poco un dato que creo que se lo leía que hablaba este es 1 de 2016, se hablaba de que en 2 minutos, en 2 minutos de un día, como hoy, son tomadas más imágenes que las que toda la humanidad tomó durante todo el siglo XIX. Esto nos da cuenta de que las imágenes ya a día de hoy son como son puro lenguaje no es esta cuestión de todo la vez, todo en este mismo momento, y toda esta cuestión de la imagen produce un cierto vértigo. Por ello, en algunas de mis obras se perciben estas acumulaciones de objetos que tienen algo también de desorden alimenticio en forma de vómitos, no se solapan en espacios donde las capas se acumulan y se acumulan; esto también. Por supuesto. El tema de la creación de imágenes a 1 le hace pensar que como artistas en muchas ocasiones no siempre, pero en muchas ocasiones somos parte de esa maquinaria de creación de más y más imágenes. Desde esta desde este punto se podría decir que que el vértigo también se siente, cuando cuando 1 ve que gran parte de esa magia que se produce en el estudio se pierde cuando las obras se trasladan al espacio blanco de la galería al museo. Por ello, en una conversación que entonces en 2013, recordando aquella famosa exposición de Francis Bay, con la que trasladaron todos su estudio centímetro a centímetro a una galería de Dublín, comentándolo de manera jocosa, como galeristas, dirige algo como como me gustaría trasladar mi estudio a la galería, 1 de los galeristas, que era arquitecto, abrió los ojos como platos y me dijo. Pues vamos a hacerlo Santiago. Cuando nos ponemos, yo le dije, está seguro, aseguró me dijo que sí le pregunté, pero conoces? Tu galería. Conocen mi estudio, lo que es posible, me dijo Sí. Sí sí esta imagen que veáis cómo quedó la galería talón, totalmente transformada. De hecho, si veis cómo los techos se bajaron con un vestido enorme de tela para que la altura del techo tuviera exactamente la misma altura. Como digo, hay ocasiones no muchas, la verdad en las que das, con gente que ya sea porque tienen un gran entusiasmo, ya sea porque tienen un amor sincero hacia el arte, confía y cree y 100 por 100 en tu trabajo. No. Este fue 1 de los casos, sin duda, para mí. Lo cierto también es que en esta exposición, que fue un gran reto de montaje, yo había pasado ya por unos 6, 7 años de trabajo; en un mismo taller; y yo percibía que en aquel espacio ya se estaba generando algo; algo extraño porque daba la sensación de que entre la obra y el contexto general que generaba la obra se estaba generando una especie de paisaje propio. Me explico. Daba la sensación y mi estudio. Que al mirar las mesas, las paredes del estudio, los armarios, etc, te podías encontrar una obra mía fácilmente, porque había una especie de mismo, una especie de misma sensación cromática, en todo cuando instale esto en la galería de Madrid pues la gente entraba y no sabía bien cómo moverse en aquella exposición; porque nadie sabía que era una obra y que no se generaba. Bueno, pues algo entre realidad; y artificio que fue muy bueno, muy interesante. Hubo cosas que ni yo ni siquiera pensé que fueran a ocurrir como que entrara gente de la calle pensando que allí se daban clases de pintura, porque de la galería salía un olor a la madera a óleo que tumbaba. Vamos, la gente olía inmediatamente desde la calle aquel olor y entraban a preguntar, les daban ganas de aprender a pintar, al pasar por la galería. De alguna manera fue una manera de despedirme de aquel taller, en el cual yo ya percibí que había tocado un límite, y, por otro lado, fue un homenaje al espacio y el tiempo de intimidad de los artistas en sus estudios. Con esta obra quiero seguir hablando un poquito a través de la relación de tiempo y espacio que hay en mi obra, porque creo que muchas veces se nos da mejor pensar el tiempo a través de espacios; el tiempo para la mayoría de nosotras y nosotros es algo muy complicado de aprender. Esta cuestión del fútbol es muy fácil que acudamos a metáforas, espaciales a lugares en vez de a otra cosa, pareciera como que los espacios nos permiten pensar las cosas, cosas con mayor nitidez movernos de otra forma; ir hacia delante. Atrás, izquierda o derecha también se puede generar algo que tiene que ver con la simultaneidad de momentos, y esto es básicamente lo que en esencia llevo haciendo muchos muchos años. Esta es una pieza titulada Home, que da título a el proyecto que en el que llevo trabajando más o menos desde 2018, como decía, cuando pensamos en el tiempo, también lo estamos haciendo a través de lógicas. El espacio entonces nos permitiría especular sobre qué ha ocurrido? Nos hace pensar en qué ha podido ocurrir en ese escenario que está a punto de ocurrir en mis obras. Hay gente que me ha comentado que se produce una cierta sensación de melancolía, porque si se tiene la sensación de que hemos llegado a hemos llegado después de una función, hemos llegado a un lugar donde han pasado cosas, pero no podemos saber qué es eso que ha ocurrido. Sería algo así como, como un margen del relato. En cierto sentido, estos escenarios son intentos de describir una hipotética secuencia de sucesos o de eventos. Las cosas que normalmente me interesan tienen que ver con lo que aparentemente no tiene, no tiene importancia, con los secundarios. Esto es algo que me viene del amor por la pintura gótica o la pintura flamenca, no, ya sabéis, donde cada punto del cuadro pretende llamar la atención con la misma intensidad y también tiene que ver con mi interés, con el interés en el cine, recordaréis todos esa famosa escena de donde el fotógrafo protagonista, hace zoom en una fotografía varias veces y cuando llega la tercera o cuarta vez descubre que en un pequeño píxel ahí hay un un personaje escondido, no cuento más, voy a desvelar la película, pero digamos que ese ese esa idea de que los pequeños lugares pueden estar ocurriendo las cosas más importantes. Así pues, esta abundancia de pequeños detalles, de pequeños detalles a producen en el espectador, que haya un una mirada hacia dentro del cine. Es muy típico delante de mis obras, pues que la gente se acerque porque básicamente es lo que pretendo con todo ese detalle, no un movimiento de dentro hacia fuera, buscando pistas buscando recovecos. En mis principios estuve interesado por la, por la las ideas fractales en la naturaleza, digamos, todo ese patronaje que se va repitiendo, conforme vamos introduciendo unos más y más en la realidad microscópica de lo real. Pero también hay algo que tiene que ver con el tiempo en el sentido de que esa búsqueda hacia dentro de la búsqueda de lo microscópico tiene que ver con con esta idea cuántica que en la fracción más pequeña de tiempo medible se dice que el pasado, el presente y el futuro no existen. Bueno, voy a saltar a otro de mis temas, que sería el tema de la imaginación. He rescatado un texto de mis favoritos, de Úrsula, que creo que el texto ya explica todo lo que yo quería decir. De esto no hablaría de cómo el tema del asunto de la creatividad ha sido de alguna manera bueno, apropiado por las condiciones de lo empresarial, las condiciones de la cultura productiva. No, yo soy un reivindicado de la imaginación y creo que hay que dejar de hablar un poquito menos de creatividad, porque a veces me da la sensación de que cuando hablamos de creatividad estamos hablando de cosas muy diferentes o por lo menos a mí me pasa cada vez más. Sería algo así como como como está realidades, como él, a través del lenguaje de los negocios. Ya se habla de creatividad como esa capacidad de superar problemas en la empresa y demás. No. Pero de alguna manera la imaginación sigue ahí y, aunque creo que se usa la usamos bastante poco, creo que se puede recuperar y porque creo que de alguna manera está intacta. Vivimos en este tiempo de pérdidas dolorosas de conceptos de ideas, que van cambiando que van mutando, y aunque da la sensación de que quien sabe, dentro de un tiempo de todo este tema de la imaginación, será será un una cuestión de del transhumanismo, no serán capaces de descargar a un pendrive toda nuestra capacidad imaginativa en forma de imágenes quién sabe, nunca se sabe, pero como digo la imaginación la; la usamos poco porque creo que entre otras cosas estamos sujetos a a muchas narrativas de desastre, muchas narrativas que nos meten en un clima apocalíptico. Este es un tema que acudiera un poco más, más adelante y estamos debamos bloqueados por ciertas narrativas desesperantes esperanzadoras, pero, como digo, la reivindicación de lo de la imaginación es posible y es algo importante en mi trabajo yo creo que esto es sería de hecho 1 de los motores a tener en cuenta para y para incluso poder ejercer algún tipo de cambio significa cambio significativo a través de las artes. Esto se debe a que imaginar. No es un producto imaginar, es un hacer y además es un hacer que creamos que creamos de manera individual, pero además podemos hacer de manera compartida con otros. Además imaginar es algo que a mí me resulta muy indivisible de la propia vida. Hay una cita muy que me encanta de decía que para un hombre de imaginación la naturaleza es la imaginación misma no venía a resumir perfectamente y mejor que yo esta idea de que nunca se sabe dónde comienza la vida y donde comenzó donde comienza la imaginación. es una obra que he puesto para un poco hablar de esta cuestión. Es una obra que realizó en 2008 de las primeras que dice. En este formato grande sobre papel y fue otra bueno, una, una de las más significativas, un poco en mi trayectoria porque fue la primera en la que despliegue este tipo de paisaje. Antes de continuar con otros asuntos, me gustaría ir un poco más allá con esto de la imaginación, porque cae en que dentro de la palabra imaginación estará está el término imagen. Entonces parecería que la cuestión de imaginar esta tiene que estar vinculada a producir nuevas imágenes, y esto dejaría, en mi caso se da porque soy pintura, soy pintura, pintor, manejo la figuración y hay una creación de imágenes inherente, pero creo que es algo que no debería dejar de lado a alguien que ha forman, que haga arte conceptual o cualquier otro cualquier otro tipo de rama artística. Entonces piensen que es lo que hay, más allá de la imaginación y que hay en un término que se lo escuché a un antropólogo. hablaba de anhelar, desear o anhelar, y creo que mi obra esto es un poco claves. Creo que es un poco casi un una, una de las bases más importantes. Se trataría entonces, de querer traer, querer hacer aparecer algo que no está de alguna manera. Sería, en mi caso algo como como querer traer un tiempo en el que las cosas hubieran ocurrido. De otra manera. Quizá con esta idea de la ucronía, no de realizar otras realidades que en las que los detenidos de la historia hubieran tenido otro cauce. Creo que en ese sentido el anhelo es más, es más certero y me define más. Porque creo que cuando cuando a anhelamos algo lo nos acercamos al nacimiento de ese mundo en continente, en continua creación. Luego ya cada 1 decide si lo transforma, en una imagen o si el otro sí lo transforma en un orden social, o lo transforma. En lo que sea. Bueno, aquí voy a hablar de la serie de obras que da título a esta conferencia y a la última exposición que hice en Valencia, que forma parte de un proyecto mayor, que sería. No sin antes hacer algún apunte más sobre esta cuestión del anhelo, porque creo que si algún si ha sido una dificultad o casi un enemigo tiene hoy esta cuestión sería serían las narrativas apocalípticas que tiene como hablaba al principio, nos trae este tono del siglo no el cambio climático o la violencia estructural de los sistemas hegemónicos y los miedos derivados de las pandemias en las que nos vemos implicados. Desde 2018 he venido trabajando en una serie de obras que parten de este clima de crisis global, de crisis, de los sistemas, a mí en cierto momento una una lectura que me influyó mucho, que fue el realismo capitalista de Mark Fischer. Este es un libro en el que este teórico británico habla de cómo esta incapacidad de imaginar futuros mejores estaría relacionada con las décadas de economías neoliberales y de ciertas ideas también, como podría ser el fin de la historia de Francis Fukuyama, no en la que hemos caído como sociedad en una cierta idea de que no podemos generar nuevas alternativas, de que estamos siempre abocados a un mismo sistema, y no podemos imaginar nada más allá. Esta pequeñita obra que formaban así verlo, tan tan grande impresionar tenía que haber hecho un poquito más pequeña porque es una obra chiquita formaba parte de este grupo de obras y es un pequeñito lienzo pintado, con con acrílico, con grafito y, bueno, pues muestra trasteros, maquinaria obsoleta y ensayos improvisados, restos arquitectónicos, con una especie de particular convivencia entre nuestros residuos, vegetación es cosas inesperadas. Me gusta plantear estas escenas donde parece que las cuestiones teatrales clásicas se trastocan? No parece como si de alguna manera el escenario o los bastidores y todo el edificio subieran a subieran a formar parte de una misma batalla en algunas de estas obras incluyó avalanchas de tierra, de humo, negro, que hacen referencia seguro que que sonarán estas imágenes. Fotografías de los años 30 de la Gran Depresión en Estados Unidos que provocaron que provocó un fenómeno climático llamado. Y en ocasiones veréis que un tema recurrente también es el tema de los teatros, no el tema de incluir asientos de un teatro, y me gusta colocar el punto de vista en las botas, en las butacas de un anfiteatro o un teatro más grande para hacernos pensar que ya no podemos ser espectadores pasivos nunca más. Se trata de usar este tipo de poéticas para, para acceder a la reflexión, como como comentábamos al principio de la charla, no. Estas son las una imagen de, junto por la exposición que realizó en 2020. Esta exposición coincidió de pleno con los 2 períodos de confinamiento en marzo y en octubre de 2020. De hecho fue casi milagroso, como coincidieron los días de inauguración, planeados con los días de decretos de los estados de alarma. Parecía casi casi una, una maldición es curioso como una exposición que en la que trataba el asunto de la odontología. Comenzó muy rápidamente la antología de Marc. Es una mezclar la idea de odontología en filosofía con con la, de House en el término inglés, para denominar algo que acecha en ese sentido, trabajo, con este ontología como digamos una realidad en la que nos vemos acechado continuamente con con pasados, con con la incapacidad de mirar al futuro, sería porque el pasado nos está continuamente cogiendo y atrapando. Yo estaba tratando de vincular el paisaje que venía haciendo desde hacía años con estas ideas de espectral de las ciudades vacías, y curiosamente la exposición que hice la pudieron ver tan solo el director del centro expositivo, el comisario Fernando Castro, y yo, la exposición. Se quedó allí. 2 meses enteros, completamente fantasma, un amigo con cierta sorna me decía que parecía como si la propia exposición no hubiera creado una especie de performance sobre ella misma. Bueno, creo que la práctica del arte es un espacio muy bueno para enfrentarnos a abiertamente, con con ideas contrapuestas, con contradicciones que todas y todos tenemos, y más si somos artistas, que es la reina de la de las profesiones las que se manejan todo tipo de contradicciones, no tras la cancelación de la exposición, cuando estábamos todos confinados, me vi como casi todo el mundo en casa sentado en el sofá viendo alguna plataforma de streaming y viviendo todo tipo de contenidos, y me di cuenta un día que casi todos eran distópico. Serán películas y series horribles, no sobre futuros, que parece que te estaban metiendo en esa idea de que me quede como estoy lleno, pero me dio por pensar en aquellos meses que quizá debía poner un poco en cuarentena mis propias ideas sobre la catástrofe sobre lo distópico, esto deja un topo, Luis. Me había hecho ahondar mucho en las cuestiones del utópico, lo distópico, pero con cierta tendencia, evidentemente, a retomar las ideas de los futuros, entre los malos futuros, En esta obra no gnomos distopía. Traté de poner un poco todas estas reflexiones en un cuadro. Lo que trate. Es de imaginar el letrero de Hollywood, en el monte. Li de Los Ángeles, transformado, intervenido, por una especie de grupo de grupo de trabajadores, algunos humanos, algunos no humanos, creando un nuevo lema que vendría a ser. No hemos visto como una especie de punto de atención en que quizá no deberíamos estar tanto jugando a la casa en verano también con con la, con los futuros, que parece que solo pueden ser malos, y también bueno de alguna manera tratando de hacer esto para paralizarlo distópico con la idea de que después pudiera haber la creación de algo mejor. No, este es un detalle de la obra. Como nos decía, me di cuenta que quizás estos miedos inoculados a través de la cultura a través de las películas quizá estaban siendo inteligentemente dosificado no para para desmovilizar, y sobre todo pensé bien, llevado por algunas lecturas importantes, como como gran experto en distopías, como Francisco Martorell. Pensé que quizá todas estas distopías no estaban movilizando a nadie. Vivir. Muchas series que consideramos, como incluso anticapitalistas no por el contenido, pero ya ves la plataforma, y ves que no es posible, y ves que de hecho no. No producen ningún tipo de revuelo social en la gente joven, más bien. Más bien parecería que todo esto de la de la cultura, de los agoreros no hace otra cosa más que movilizarnos. Entonces comencé a pensar en esto, en la atracción hacia el catastrófico y a pensar también en que hemos olvidado completamente la potencial del utópico, la idea de que lo que hagamos de que lo que sea el futuro dependerá en buena parte de lo que de cómo; imaginemos, cómo imaginemos ese futuro y bueno, a veces puede parecer que el arte es un cúmulo de críticas, un cromo, un cúmulo de protestas, de todo tipo, pero que le falta algo de propuesta. Cuando estuve preparando la conferencia me dije. Oye, pues haz tú algo que pueda resultar una propuesta por supuesto no no muy no muy ambiciosa pero quise vincular estos temas de los que he estado hablando del tema del tiempo, el tema de la imaginación, y recordé una fabulosa conferencia The Time, un perdón, un sociólogo británico, que comentaba que la pandemia le había chocado mucho porque lo que lo que más había sufrido él era la incapacidad de ver a sus nietos. Entonces él hablaba de que quizá podríamos generar nuevos cimientos para la esperanza. Si a los niños, a los viejos y porque digo esto porque lo vincule, porque precisamente los niños y los mayores son quienes tienen una concepción del tiempo diferente a la nuestra, digamos, son quienes están exentos o ajenos al tiempo lineal al que nosotros estamos acostumbrados en esta esta edad de producir mundo, no, nosotros somos quienes estamos en la edad productiva, en la de generar, en la, de producir y, sin embargo la inocencia y la curiosidad de los niños se ve como una deficiencia de conocimiento, y quizá la humildad y la sabiduría de los mayores se ve también cómo casi demencia no parece justo de lo más demente para el sistema productivo de crecimiento económico. Juntar precisamente a estas 2 personas. Pero este sociólogo, como digo, comenta comentar esto, me pareció muy muy interesante rescatarlo en la conferencia, porque es algo que en lo que creí cuando cuando le escuché. Bueno, voy a hablarnos de otro asunto que está en mi obra, que es el tema de la miniaturización y el tema de trastocar; las imágenes, proponer imágenes donde se mezclan diferentes perspectivas a lo largo de todos estos años, ido haciendo estos juegos de escalas para, para procurar que no salgamos de las de las coordenadas a la que estamos habituados. Para ello, las maquetas y las miniaturas son perfectas, nos sirven para entendernos de un modo diferente y creo que los dioramas, las miniaturas son réplicas, comprensibles de una supuesta realidad. Además, una realidad que cada vez se nos escapa más, porque no la no logramos aprenderla del todo en. Supongo que que percibo, que estas maquetas nos entendemos mejor esta pieza se puede ver actualmente desde el miércoles en una exposición colectiva que se llama, que se ha inaugurado en la sala Amós Salvador de Logroño, escogí para el título de esta pieza, un verso del famoso poema oscuridad de los. Porque recordando ese poema, pensé. En la erupción del volcán Tambora, en 1.816 es un volcán que está a una isla, en Indonesia y por una grandísima erupción. En 1.816 cubrió todo casi todo el globo terráqueo de una grandísima masa gris no se llamó de hecho aquel verano se llamó aquel año el año sin verano porque toda Europa quedó prácticamente todo; todo el globo, como digo, quedó cubierto; se dice que muchas obras de William Turner, aquellas famosas marinas de Londres con aquellos cielos cubiertos de negro, fueron fueron pintados aquel año y de hecho hay estudios que que han hecho análisis químicos de muchas obras, entre ellas las de William Turner y han descubierto partículas de ceniza del volcán Tambora. Entonces, hoy sabemos que cierto tono alucinado en la literatura fantástica, que luego ha generado mucha de nuestra cultura del cine de terror, viene de ahí viene de una condición atmosférica. La conducción, la condición atmosférica que provocó un volcán en Indonesia. Este es un detalle de la misma obra y, bueno, habréis visto en el título. Se habrá sorprendido una frase que dice. Lamela. La melancolía es poco sincera, esto es una frase que leía. Se leía un novelista que me gusta mucho. China, débil y desde que la ley se me quedó, se me quedó grabada. Se refiere a cómo cierta estética romántica, en la que yo me puedo incluir, mira al colapso de este mundo. Pero reformulando de nuevo estas ideas de lo bello sublime. Entonces el comenta brillantemente como ver la belleza en lo que sabemos que es amoral brutal y repudiable nuestro. Nuestro colapso tendría lecturas políticas un poco ambiguas. Quizá aquí siento la necesidad también de expresarme. Explicarme no, porque, evidentemente esta frase me me tocó un poco la fibra sensible. Quizá lo que yo voy buscando con con con esto es una lectura poco más politizada de la melancolía. Sería, como bien dice, como si todavía ver algo mejor y más allá de los escombros, pero carecieran de la fuerza y bueno, es de alguna manera un cierto resentimiento ante los límites que parece que se nos imponen, no los límites. De lo posible que diría al Puerto de Santa María, también notaréis que generalmente tenga un tono autocrítico en cuanto puedo, no me di cuenta que traigo mucho poso del paisaje y el paisaje siempre lo hace un pintor que está en un lugar seguro, siempre se siempre es un mirar desde una ventana, un, mirar desde un lugar tranquilo y a veces mirar el colapso o mirar el naufragio puede resultar una posición cómoda, una posición fácil en la que lo que se representa no te afecta de alguna manera. Pero, sin embargo, el curso de las cosas nos demuestra todos los días que ninguno de nosotros está a salvo de las repercusiones de lo que ya estamos viviendo y sin duda vamos a vivir durante el resto de tiempo que nos queda. En abril de 2020, mientras preparaba la conferencia del centro de referencia trataba sobre Fin del Mundo. Me llamaba un compañero de estudio, me llamó por teléfono una mañana y me dijo que una tromba de agua gigantesca en Madrid había inundado absolutamente de agua, sucia y barro. Todo mi estudio, que estaba en un bajo, había dejado todo totalmente devastado. Mi estudio y mis obras literalmente estaban flotando en barro. Bueno, no me no me apura comentar esto que desde luego a otros artistas les les costaría mucho. Creo que esta es la primera vez que lo comentó en público como de esta manera, pero bueno, es que ha sido una especie de terapia psicológica no porque os podéis imaginar en aquel momento lo que lo que supuso a nivel personal no hay momentos en los que la carrera, las circunstancias se ponen tan, tan cuesta arriba la única lucidez que puedes encontrar. Es mirar a lo que hace sin ningún tipo de apego. Es una especie de anestesia, es como si es como el momento después de caer en un accidente, no te quedas como si fuera como como si no estuvieras allí no, por supuesto, la primera reacción ante aquello fue irme a salvar todas las obras que pude, comenzando un periplo de varios meses en los que la trató con los seguros, con los peritos, los tiras y aflojas, para la indemnización, etc. Pues me metieron en un proceso terrible que te hace pensar continuamente en el valor material de lo que haces, conversaciones que os podéis imaginar, en las que tienes que explicarle a un perito, porque esa obra vale o está valorada en tanto y tienes que incluso llamar a algún crítico, o alguien que sabe de esto, para poder defenderte. Bueno, y eso que lo que hago yo es formal, es decir, tiene una dimensión física. Si llega a ser arte conceptual algo así ya me hubiera muerto. Pero es curioso, como en todo este proceso, mucha gente que me conoce me decía. De todo esto vas a sacar algo tranquilo si siempre esa casa algo. Pero no, en aquel momento la verdad que no salía nada era tan fuerte que no. Bueno, el caso es que un día después de unos meses tuve que tirar una pared de aquel estudio tuvo que demoler y de los fragmentos de aquella pared. Surgieron estas piezas tituladas, fragmentos de polis. Fue realmente la chispa, la chispa realmente fue el pensar que aquellas obras se podían perder? Sin duda, esta cuestión de qué os decía al principio de cómo las obras permea tanto tiempo de tu vida en forma en forma de recuerdos hizo, que recorre recordar aquellas famosas obras de Piranesi, que seguro que ya conocéis aquellas trozos de piedras de los armenios, los fragmentos de Roma, y comencé a pensar, en la cuna de la vacuna, en cómo recuperar la memoria de aquellas obras, porque en aquel proceso de restauración hubo varias de ellas. Yo no sabía si iban a sobrevivir, estaban realmente deterioradas. Entonces, a recordando esta serie pensé. Bueno, voy a inspirarme, no para para trabajar en ellos. Todo es realice todos estos dibujos de sobre piedras que vienen un poco de esta experiencia, una experiencia que tiene algo también relato de relato catastrófico. Aquí de nuevo véis, pues, los que los teatros vuelven a aparecer. De esa manera, un poco de Ana. Esta es una de las obras que que pensé que no iba a recuperar. Se titula El accidente original en nombrando. La famosa teoría de que hablaba reflexionaba sobre cómo todo avance tecnológico tiene una contrapartida, y es que con la tecnología se que se crea también el desastre tecnológico, no es decir si se inventa el tren. En el momento se inventa el desastre ferroviario y así con todos los. Con todos los avances de la tecnología, parecía como que en estas obras en las que había estado trabajando con las ideas de catástrofe de guerras nucleares esta obra, algunos podrás sondear la parte más figurativa a unas fotos muy famosas de las de las de los misiles cubanos. Estaba aquellas fotos, aquellas fotos que por poco provocaron la tercera guerra mundial, porque Kennedy se empeñó en que aquello eran aquellas imágenes aéreas de las afueras de La Habana eran, eran refugios nucleares rusos y demás. No, como decía, parecía que todas estas obras que trataban este tema catastrófica, habían encontrado su lugar o bien habían encontrado su, su destino, su accidente original de alguna manera. Por ello, como decía, parecía como que el objeto de estudio había tomado, había tomado el escenario, ya dejaban estas obras, dejaban de ser esas miniaturas vistas desde arriba, vistas desde esa objetividad, esa tranquilidad del estudio a formar parte de algo que ya había entrado en mi propia vida, no de manera irremediable. Cómo se hacía? Tuve que comenzar a reconstruir las obras; repararlas. Y y este mosaico que os enseño, formas son pequeños fragmentos de la imagen de la obra que os he enseñado antes. En el momento en el que pensaba que iba a tener que tirarla. Era una buena manera, digamos, simbólica de recuperarla y de no perder todos aquellos tiempos y vivencias. Esta es una vista de la exposición que inaugure el año pasado en la que finalmente se pudo restaurar la obra y me gustó. Quise exponerla como si fuera un bueno. Podría ser casi un arqueológico, pero podría ser casi una disposición forense, no de restos. La exposición que comentaba antes, que fuera el primer premio abierto, Valencia. En esta obra se titula Tras ese muro trato de enfrentar enfrentarme a un tema que creo que nos asedia a todos y a todas y en particular a los artistas, que es el tema del fin del futuro cuando creas obras de arte. Creo que estamos, por un lado, haciéndolo para nuestros contemporáneos, para la gente con la que compartimos un presente y un mundo, pero inevitablemente también lo estamos haciendo para un segmento cultural de gente que no pertenece a nuestro nuestro espacio y en nuestro tiempo, es decir, lo estamos también haciendo para el futuro. Esto es una cuestión que sé que es contradictoria y muchas veces he tenido discusiones con otros artistas que no están de acuerdo con esto, pero para mí para mí sí sí que es una realidad. Entonces, en estos tiempos de la teología que estamos viviendo de conciencia de los finales, parece que el futuro ya no es ese horizonte, que se va alejando, mientras nosotros avanzamos. Parece más bien que el el horizontes es algo que se acerca se acerca cada vez digamos el futuro es algo que se acerca ya es casi indistinguible a nuestro presente, y por ello creo que llegamos a esa sensación de muro de una especie de muro de tiempo con el que nos chocamos esto lo explicaba timing del sociólogo al que hacía alusión, antes, también hablaba de que cuando mientras los fines de nuestra sociedad se expanden y cada vez queremos más pues ya hemos expoliado el planeta, pero ahora vamos a explorar expoliar otros otros planetas no a es decir, cada vez que estos fines se van expandiendo, pero los medios se van contrayendo, porque los recursos de la tierra son cada vez más finitos, se genera una cultura del objetivo a corto plazo y el futuro da la sensación de que se va acercando más y más y más, y esto nos da esa sensación arrogante de que el futuro ya no existe, de que el futuro desaparecido en 1.000 en 2017 me encontré con una situación complicada también. Porque después de años de exposiciones, proyectos y, bueno, pues una concatenación a la que normalmente te acostumbras y piensas que siempre van a ir cosas después. Varias galerías con las que trabajaba cerraron fue un momento difícil, sin proyectos por delante, y y, bueno, fue un período bastante difícil, en el que la ansiedad era una cuestión diaria difícil de abordar, y bueno, aprovechar estos espacios largos de tiempo, básicamente para experimentar con diferentes técnicas, es para experimentar; con otra porosidad de la imagen, también es aproveche a indagar en ciertos pensadores, en filosofía, lecturas que me interesaban y a veces creo que esto es importante. De hecho, ahora que vuelvo a tener abundancia de proyectos tengo un grato recuerdo de esos momentos, porque de ahí surgieron obras, obras que sirven casi para crear luego cuerpos de obra más adelante, es decir, esta misma obra. Tras ese muro prácticamente fue el inicio el pistoletazo de inicio de toda una serie, que sería un, con lo cual hay veces que no hay mal que por bien no venga. También es cierto que en esta obra la cuestión del muro está muy influenciada por ciertas experiencias personales que tuve una en una beca de residencia en Johannesburgo. Pude pude ver, cómo, como digamos los los complejos residenciales son enormes. Allí en un tema de división de clases muy fuerte no digamos son complejos residenciales en los que las clases más adineradas están completamente, y todo esto, bueno pues es, en definitiva, un fenómeno arquitectónico bastante contemporáneo, bastante habitual, que ya conocemos por el muro de Palestina e Israel, por el de México y Tijuana. No toda esa muralla me interesa mucho y también formó parte de los temas que surgieron, de esta obra. Bueno, ya voy, no sé no sé como voy de tiempo, tengo la sensación de que me estoy pasando muchísimo perdonar si es así como decía al inicio, parece que estos desafíos a los que nos enfrentamos son, nos lanzan preguntas muy grandes y es cierto que como individuos podemos hacer bien poco por momentos. La complejidad del mundo nos hace, nos crea una sensación de gravedad que nos nos va aplanando y nos va haciendo adaptarnos a la vida de a pie, que ya ya suficientemente dura es estas cuestiones. Evidentemente, a mí me siguen asaltando y por eso las compuertas las comparto con con vosotras y vosotros a, y creo que conviene hablar un poco del mundo del arte; cierta cierto tono autocrítico, porque creo que el mundo del arte, como bien decía Blanca de la Torre, es por un lado muy reivindicativo, pero a la hora de verdad la verdad es muy cómodo todavía estamos atados a modelos institucionales que se podría decir que ya están algo caducos. Redes clientelares, redes clientelares y cuestiones que hacen que que sintamos que se necesita un cambio de paradigma, pero en realidad nadie lo quiere tomar, nadie lo quiere llevar a cabo a esto. También conecta con algo que decía Iván de la Nuez, sobre que el mundo del arte parece ser capaz de señalar todas las injusticias del mundo, salvo las del propio sistema, salvo las del propio ecosistema del arte. No creo que aquí el arte más crítico del arte, más político, incluso muestra a veces ciertas costuras. Cabría tener aquí un gran debate, que no quiero abrir del todo porque sería larguísimo, pero bueno, cabría pensar que un arte verdaderamente crítico es aquel que se encuentra fuera de la institución, no, pero. No sé hay muchas cuestiones que me apetecía compartir con vosotros porque también, como decía, cabe pensar que muchas veces quienes están habituados a ir a ver exposiciones, a ir a talleres de artistas son gente que ya está concienciada sobre los problemas que los artistas ponemos ahí entonces, a quienes nos dirigimos. Si muchas veces el espectador del arte ya está, ya está ahí y ya piensa lo mismo que el artista, o algo muy parecido. No sé creo que a veces ser más mordaces ser más críticos con nosotros mismos, como artista, como artistas, asumir asumir que las cosas se están haciendo muy mal no deberían entenderse o verse como una especie de morder la mano, que aún no le da de comer sino intentar crear formar parte de una reinvención. Creo que el arte debería dar otro tipo de ejemplo. También quería hablar que, bueno, como una propuestas sobre sobre cómo cómo abordará la práctica artística, creo que se debería, se debería abordar un decrecimiento, un decrecimiento en general en el arte y la cultura, si queremos cambiar el paradigma de valores tiene que haber otro tipo de objetivos. Quién, quién sabe qué tipo de arte realizaría los artistas si un poquito de lado toda esa cuestión de las ferias de las vías, de las bienales? Es verdad que son cuestiones que necesitamos económicamente y también nos duran mucho nuestro ego, pero quizá cabría pensar que había que fijarse en aspectos menos cuantitativos, menos mercantiles, quizá también reevaluar cierta noción de éxito. Creo además que el mundo que nos va el mundo que vamos a ir viendo vamos, vamos a ir viendo como el norte y el sur, y el sur global se van a ir pareciendo cada vez más. En ese sentido, deberíamos creo, aprender modelos de autogestión y modelos de sostenibilidad que ya en muchos países, por ejemplo de América Latina, llevan los artistas, llevan haciendo décadas. Es decir, aquí estamos acostumbrados a que la institución que estar más apoyados institucionalmente a pero hay, entre otros muchos lugares que hables con artistas, argentinos, cual ecuatorianos etc, te das cuenta de que la realidad allí están haciendo un arte totalmente válido. Solo es muy diferente y creo que deberíamos podríamos, al menos, aprender de todo ello. Por otro lado, hacer mención a que lo pequeño es hermoso. Y quién sabe si atendiendo a los pequeños proyectos a A no se ha pequeños las cosas menos menos ambiciosas. No sé esto. Sí que lo sueltas de una manera muy más emocional que pensada, pero sí creo que hay que reivindicar un poco esa esa cuestión de lo pequeño. Aquí se me ha olvidado meter una imagen. Disculpas las prisas, pero, bueno, también hablando de lo pequeño, pues aquí lo tenemos. Como cierre, antes de que queráis, si os apetece debatir algo quería deciros que, bueno, pues la imaginación, el anhelo más bien que he comentado antes, es una manera de proyectar otras maneras de estar juntos. Creo que el arte no tiene, en definitiva, no tiene una gran capacidad de cambiar, de transformar la realidad, de transformar las cosas, pero en su conjunto sí creo que la cultura tiene una capacidad de influir en las decisiones políticas. Yo en eso sí creo. Entonces creo que deberíamos analizar, por un lado, críticamente todos estos dispositivos que nos bloquean a imaginar el futuro mejores superar este aspecto, esta espectro logia, este, esta especie de antología que nos atrapa y en definitiva renovar, nuestra confianza en que la imaginación core conectada con la sabiduría heredada serías sería pues con ello, con la unión de ambas cosas sería posible crear nuevos mundos. Con este término la conferencia espero que alguno de estos temas se haya podido resultar de interés, y muchas gracias. Bueno, pues muchísimas gracias. Conferencia La verdad es que todo el mundo encantado hace mucho que es bueno que haya desgranado toda tu obra, porque si nosotros ya tenemos un conocimiento trayecto, era tu trabajo, pero yo al menos me ha servido muy bien tu palabra para profundizar un poco más y a lo largo de la capa que formaban construyan cada una de sus obras, pues hay una capa o varias capas conceptuales que gracias a esta conferencia, las mismas dado a entender y no esa profundidad eso referentes sea lecturas, que hace que de alguna manera, pues en mí creo que dentro del ámbito universitario, ejecutar esa expresión es una de las cuestiones que nosotros apoyamos, que el artista, pues no solamente la práctica artística tiene esa fase de investigación, de lectura y de desarrollo conceptual no previo e incluso posterior, no a la propia exposición de la obra. No creo que muchas preguntas que hacerle a Santiago, una palabra. No, nada artística son críticas. He visto casi todos los bosques. Si querría saber cómo un café la. Sitúa como materia, como no se puede acabar la pregunta, repetir, la pregunta parece grave y dará respuesta. Vale? Vale. Como el resumen que resumen, deja ver que no he tenido perdón, como ahora con la prensa, para instar a que vuelvas a hacer tú es. Bastante cerca de tu pregunta, cómo se. Ve yo ya he quemado. La última neurona y ya estoy respondiendo a tu pregunta sobre cómo, como son mis cajas de lápices. Es una pregunta ojo bueno, y hay veces que la gente ve un poco todos los instrumentos de taller y flipa en el momento porque hay muchísimas, evidentemente, pero, claro, es producto de muchos años de ir haciéndote con materiales. Evidentemente 1 se gastan más que otros, pero en particular en los últimos años he trabajado mucho con grafito, he probado muchos la verdad y bueno con con unos, con unos grafiteros recientemente que no tienen, no tienen brillo. Son una una gama de gráficos. No quiero hacer publicidades ni demás, pero vamos que son maravillosos, porque porque son aparte han llegado ya hasta el 14. Es una locura adornos de alguna profundidad si dan Dan 14 by -Down, una profundidad de negro ya casi como el negro de Anish, Kapoor. Estoy trabajando con ellos porque la verdad es que con un papel dan unos resultados estupendos y no tienen esa esa, no tienen ese brillo que a veces algunos artistas nos un poco por otro lado, trabajó también con grafito en acrílico, y eso eso permite texturas y maneras de aguar el grafito Bueno, se pueden conseguir resultados muy interesantes que también se pueden conseguir con el grafito, pero en este caso el grafito acrílico- grafito también permite cuestiones, además de materia que he aplicado incluso con y con otras, con otros medios, da unos resultados, e incluso para lo pictórico, que pueden resultar muy interesantes. Entonces, mi caja de lápices es una especie de mesas y donde solo hay solo hay cosas de grafito, y se va; se van acumulando cosas. Extensor de lápices me da mucha rabia esa cosa de lápiz que queda un poquito y lo quieres, no hay que hay que hay que llevar eso de tirar las cosas a medias no no no entonces te puedo contar hay cosas la pieza No no. Si acuarela en pastillas me gustan mucho las que me queda, unos colores estupendos la verdad y bueno, papeles de alto gramaje para, para que aguanten colas para que aguanten mucho. Trote no he hecho a mano los dibujos. Hay algunos dibujos, dibujos a grafito como, como pueden ser este. Hechos a mano el trabajo con los garzas que de hecho García creó y cerró. Esto está esta línea de dibujo, los hago sobre un papel. Creo que estos son 8 semanas los garzas y son maravillosos. La verdad para para trabajos más con más, con más materia. Trabajó con artes noches de alto gramaje. Nada. Si alguien, como. Yo ha comentado algo ese aspecto fractal de una etapa ha entendido así, pero así viendo las imágenes, no ese concepto con el mar entonces sí podría comentar si si es una, la si gracias la pregunta esto es un asunto que lo he comentado un poco un poco por encima, pero ahí hay ahí algunas obras de entre 2010, 2013, que realicé con esta, con esta premisa de, digamos, un paisaje o una naturaleza fractal en la que iba con unos dibujos, de manera que, como si fuera un Travellin cinematográfico hacia dentro un espacio va, va descubriendo otro que hay dentro y luego otro que hay dentro y luego que hay dentro, no? Entonces, en esas obras, en esa serie de obras que se titula La vida anterior trabajé con ésta, con esta idea un poco como lo que comentaba de la escena, no? Esta idea de que el detalle se esconde el detalle se esconde la cuestión más importante de todas, no en De hecho en esa serie cree la idea de luz, porque la en el sexto dibujo descubrimos que estamos en el primero, no, con lo cual está ahí este día un poco del lugar que se contiene. Asimismo y y bueno esta es luego en algunas obras, por ejemplo, en una de las obras que hemos tenido al principio perdón, desde el vomitorio no le han mostrado aquí porque ya me iba de tema, pero esta obra tiene luego unas una obra que dice después que es lo que hay antes de esto es como si hubiéramos hecho un movimiento hacia atrás. Entonces descubrimos que alrededor de descubrimos más de espacio alrededor y luego hay una tercera, en la que todos esos escenarios están contenidos dentro de una isla flotante. Entonces eran 3 obras que eran casi como una especie de movimiento; movimiento hacia atrás no tiene que ver tanto con fractal, pero sí con esta idea. Un poco de andar mirando hacia dentro y hacia fuera tiene. Tenían. Tiene también algo que ver un poco con el tema de los de la contemplación, que se ve mucho inventado en la filosofía oriental, no sé si con esto respondo a tu pregunta, pero no es son estas las obras que trabajo con la tesis sobre el asunto y ya fantástico un poco más perfecto asegurarme que lo tiene que ver durante muchas gracias. Muchas gracias. En esta obra ha comentado que mezcló inusual porque había como una buena monitor. No sería la creación de sus dibujos y parece tener si si ésta está por por creo que estaba por YouTube, no sé si creéis que lo proyecte o, si no, voy a buscarlo y. Sino disculparme porque creo que luego lo tenía oculto, tengo una oculto, disculparme. Claro que cuando lo expuso en la última vez, claro, me dijeron que mejor lo tuvieran oculto, pero ahora estamos hablando de arte gótico, aunque es verdad que muchas de las composiciones quieren saber que decía el propio ejército eran Galicia, pero en qué medida también, porque ese ropa interior, que, que todos los clásicos de toda la historia del arte, aclarado de una manera profunda, o ha podido cadáver en tu trabajo, tu yo siempre digo que un punto de partida. En mí en mi profesión es el momento en el que voy a ver la exposición que le hicieron a Patinir en el Museo del Prado. Creo que fue dormir 2007, o yo en ese momento acababa, no creo que fue un poquito antes, pero llevaban muy poquito. Salir de Bellas Artes estaba confundido, no sabía no sabía qué hacer. Si dedicarme al diseño web estaban me gustaban mucho el mundo del arte, pero en aquella exposición me hizo entrar y salir de una manera completamente diferente. Con aquella exposición conecté un, muchísimo reciben sentí que él, la persona que había hecho esos cuadros estaba, estaba dirigiéndose directamente a mí a través de esos fondos. No, sobre todo con esa cuestión ambiental o de ver cómo de repente todos esos personajes estaban en una zona abajo; la derecha y toda la zona estaba hablando de otra manera, atravesó a través de la profundidad de los espacios del cromatismo, diría que es que es vital. A mí me aquella exposición me cambió. Me hizo decidir no solo dedicarme o probar a dedicarme al arte, sino, además hacerlo a través del paisaje, con lo cual yo diría que que el potencial del potencial de la magnitud que tiene una una obra clásica en un artista puede llegar a ser difícil. En definitiva, vamos a ver en qué medida generó dejar de tratar de pesaje sobre el pueblo, porque el tempo o el cuando también se hace constante todo el trabajo, y, esa pues también la ecología animal, la serie de La herida y todo eso y muy interesante y, sobre todo yo pensaba que estaba viendo cuando cuando veo tu trabajo se sustenta. Hay una vinculación incluso con la propia miniatura del medievo o la propia elaboración. También. Como el dibujo con la acuarela, tú vas también. Como un poso, Alejandro, puesto que no sabe cuándo va a salir, pero como estaba dentro sí sí; desde luego, a veces me siento un poco un pintor que francamente no por nada no es una nostalgia de aquello ni mucho menos a mí me gusta estar muy conectado con el presente, es la, digamos, la gasolina que cojo a nivel diario son, son las problemáticas de la del mundo que vivimos. Lo que pasa es que el acercamiento a lo formal al o a, digamos, la resolución formal de las cosas en esta está trabada, evidentemente por una cantidad de. Es verdad que las mayores influencias vienen de los primeros años de formación, luego se quedan ahí se quedan ahí es muy difícil lo cambiar ciertos hábitos, es decir, tiene que ver con con con los momentos en los que, como hablábamos antes, has descubierto que en ciertos momentos, cuando estás en contacto con lo material, con la estas, con las manos bien metidas en la masa, ahí se producen cosas, cuando has conectado de esa manera con una materia y has aprendido a hacerlo con esa técnica. Eso yo creo que se queda ahí siempre. Luego puedes probar nuevos materiales, puedes tratar de innovar en eso o no, pero en mi caso se ha mantenido ahí yo en ciertos momentos cuando salí de la universidad pues percibí que bueno pues esto de pintar así tan con tanto detalle este tema, de trabajar con lo bello jueves. Una cosa un poco no fue fácil. Ensamblar dentro de un discurso contemporáneo, porque te das cuenta de que lo puede, incluso verse como una contradicción entre lo formal y conceptual no? Pero en mi caso, si se fue, se fue desarrollando de una manera bastante, bastante natural. Tiene que ver con que si no en el fondo, si no había un punto de disfrute, en eso no tenía tampoco del todo sentido. Esto es una cuestión que puede ser debatible desde ciertos puntos teóricos no, pero a mí me sirve. Es decir, se trata de de que no sea tan solo una cuestión de lo individual y de que 1 disfrute haciéndolo y bueno, pues ombligo va y aquí se queda lo bien que me pasaba con el cuadro del bien, que me lo he pasado con el cuadro. No se trata de eso. Tampoco se trata solo de que él con tu obras, tratando de cambiar las cosas, de hacer un cambio en el mundo porque evidentemente siempre un un artículo periodístico va a superar siempre en efectividad, siempre va a haber algo que sea mucho más efectivo en ese cambio, con la misma acción política, no? Entonces, yo siempre he tratado un poco de mezclar todos esos 2 mundos. Si cuando te diste cuenta de que la galería estaba interesada en, pues no quiero sonar así pretencioso, pero muy pronto. Yo tuve mucha suerte porque poquito a ver también a eso de suerte que yo tampoco creo mucho que exista la de la suerte, vamos a decir que al salir de Bellas Artes pude hacer una exposición individual en una galería de Madrid y desde entonces mi relación con este mundo ha sido, ha sido constante, con altos y bajos, por supuesto, pero enseguida me di cuenta de que siquiera las galerías podrían tener un interés en mi trabajo. Evidentemente, trabajar con, aunque no es que no haya una figuración, es decir, no hay figura humana. Si hay una trabajo con el color bastante fuerte, hay trabajo con con una dimensión lúdica de lo formal, que hace que el trabajo visualmente sea atractivo y quieras que no, en el mercado. En ese sentido es bastante, saben muy bien lo que quiere. En ese sentido. En ese sentido, encajó o logre encajar en cierta medida con ciertas dinámicas o lo que el mercado en cierto momento quería y, como digo, desde prontito. Quieres que yo formula la pregunta, pero me salen comentarios solamente. Eso es lo que has hecho al final respecto a que el arte necesita o se va percibiendo, como hay una necesidad de que sea más mordaz o más arriesgado o no depende tanto de esa institución u organización, pero sí entiendo cómo crees 2 más. Respecto a la idea de que de cómo salir de ese público. Hoy, más allá de ese público especializado que siempre acaba yendo a los talleres o a las exposiciones o la conferencia como porque son muchos agrega, sobre ese choque, será ante el Real Oviedo también como algo sumamente impasible hacia el momento, ya que, a pesar de esas ideas como cómo te plantearía salir de eso, no es porque no sé si mismo es algo que toca, todo lo demás tiene sus herramientas para entenderlo, y obviamente, se puede dedicar su teoría y necesario conocer una pared, pero al mismo tiempo, no como algo para para absolutamente todo el mundo se puede disfrutar a todos los niveles. Pregunta Es bueno, yo creo que el arte actualmente está, está trazando caminos que los podemos ver y de hecho, creo que en la Documenta de Kassel ya se está. Se está dando un poco el caso en lo que está aconteciendo actualmente. La Documenta de Kassel no he estado, pero sí he leído algunos artículos y he visto un poco que se está haciendo y ya es una cuestión totalmente al margen de las distintas de los mercados. Es una cuestión que está completamente y de una manera muy premeditada. Está fuera de este marco casi se podría decir que es otra práctica incluso porque tienen más que ver con con colectivos la mayoría de la mayoría de ellos en países en vías de desarrollo, que tratan de cambiar la realidad de los barrios en los que viven, cambiar, cambiar las cosas desde lo local a se ven muy pocas obras. Realmente lo que se ven es procesos de colaboración entre entre artistas y personas de los barrios. En ese sentido, el arte ya está; es decir, sí si hablamos de arte como lo que engloba el mercado del arte, pero también todo lo demás. Yo así que el arte está dando, está dando esas muestras. La cuestión es si luego esas cosas van a terminar en las cuestiones, ya que estamos hablando un poco de los sistemas del sistema de galerías del sistema, un poco de becas o de lo que, en definitiva, luego los curadores van a poner interés. Eso estará, estará por ver. Al final es algo de doble sentido y cómo se genera ya que la gente en general puede percibir que el arte es algo como una cosa muy especializada y, al mismo tiempo que tiene interés, pueden tener miedo a recibirlo haberlo y, en cuanto entienden algo de una obra en concreto lo que sea, ya empieza, como ha causado mucho interés como texto pertinentes o ver películas. Al final es algo comunicativa, algo comunicativo y que tiene un interés entonces bueno. Así que cómo sería? Una terapia, agrupará para premiar a nivel más quizá también, pero las obras también, como algo son a nivel objeto. Nos habló también de la vía de comunicación entre. Por ello. Preocupes, bueno, más allá de los proyectos colaborativos o que diluyan esa autoría joven con esa creatividad creo que también sigue siendo obviamente pertinente las obras. Si yo pienso que si he hecho yo en mi práctica es lo que lo defiende. No sé si es una una unión un poco un poco alocada. Lo que yo planteo es decir. Creo que atender a al contexto más amplio posible es muy importante para los artistas. Yo, los primeros años de trayectoria estaba en un mundo completamente rodeado de artistas. Yo me juntaba solo con artistas. Yo pensaba que el arte era lo más importante que había esta existencia no había nada más claro en los primeros años estás tan metido en eso y tantas horas en el taller, que no ves otra, no ves otras cosas y puedes caer en el peligro de ponerte una escafandra y creerte ciertos discursos de que qué? Bueno, pues el arte puede cambiar el mundo, hay ciertas cosas que luego, cuando empiezas a ver las cosas cómo funcionan, en realidad te das cuenta de que a las instituciones, a las instituciones, a los gobiernos, etc. Utilizan la cultura de una manera completamente cosmética, y es ahí quizá cuando cuando te das cuenta de ciertas cosas en particular, a mí me sirvió mucho ampliar un poco el círculo de amistades, ampliar un poco el título círculo de contactos, hablar, hablar con periodistas, hablar con gente que queda, que también están en situaciones muy precarias, no solo nosotros estamos precarizados. Esta gran parte de otras profesiones y te empiezas a dar cuenta de primera mano de cómo ven en el arte los demás y te das cuenta de que esa eso que hablábamos antes un poco de poder llegar a más gente de alguna manera es un. Es un en el que nosotros tenemos parte del trabajo. Pero no solo no solo no solo lo podemos hacer. Nosotros necesitamos una voluntad política principalmente porque es que eso es educación y sin que haya una voluntad no se puede hacer. No puede impedir la entrada del público. Sobre. La comunicación con ellos. Y la violencia y nosotros no viene de la piel. Mi cabeza va ir. A. Por una bofetada. Ningún ancho de la coleccionista. La general a las pantallas. Yo veo mucho también a otras personas, padres e incluso, que tenga totalmente eso y mucho concepto que tengan y nosotros ya sea que se aleja mucho como algo inaccesible o no soy ese tipo de cosas. Todo lo que debería ser nuestra. Privacidad. Ya que. No vamos a dejar a tu hermano como si es una cuestión poliédrica. Tiene mucha mucha, mucho camino. De entrada. Siento curiosidad por la historia. Se estropea. Pero con la primera parte. La historia, esa historia, como fue, inicia ambiental, como fue. Te refieres un poco a cuando se gesta la primera idea de abordar esas esos. Dibujos. Si la cuestión de decidir a pintar aquellas, aquellos fragmentos de piedra van después de la demolición, no, no pinte y después de Molin. Sí pues gracias por preguntarlo, porque es algo que conviene con quien conviene saber. De hecho, en la exposición en Valencia recuerdo que también me preguntaron en esta cuestión y si sí fue fue el disparador el ver aquellos fragmentos de muro en suelo, comencé a coger algunos trozos de piedra y de repente pensé en este estos fragmentos de Roma de Piranesi no sé por qué fue como una cosa, recordé esas esa esos dibujos tan precisos de las casas romanas, a editar y no sé por qué hice la conexión en aquel momento al verlos, los trozos de muro en el suelo, a; me pareció que esos pedazos además yo no soy el primero que ha hecho esto. De hecho yo me influir de unas piezas No sé si conocéis a Ignacio Pérez, Jofre, un pintor fantástico, y ya en 2015 hizo unas piezas pintadas sobre sobre pequeños fragmentos diré creo que se me quedaron ahí un poco se me quedaron en la la recámara y luego me lo recordó cuando las Biotech. Oye, yo tengo unas piezas también y luego a pocos subirlas a las redes. Varias personas me mandaron fotos de otros artistas que también han pintado sobre otros de Muro, y la verdad es que pintar sobre objetos tiene algo? Tiene algo fantástico porque toda toda todo eso que se inventa el objeto, todo eso que simboliza el objeto es fabuloso. La verdad es que me costó muy poco pintarlas de vez en cuando. Además, dado que algunas piezas que hago son tan costosas, requieren tanta paciencia, encontrar algo que sale tan rápido en cuestión de días era también algo. Muchas veces tienes que ir, ir compartimentado contraponiendo obras más ambiciosas. Con otras un poquito más sueltas pero sí si es como volviendo a tu pregunta, ésta fue este, el inicio fue a unos 2 meses después de que ocurriera lo que la inundación, el segundo grafitero. Que. Busca busca, la marca Golden, marca Golden Boy el grafito y, si has perdido aquí la pestaña nos eslavo apodo, se me fue la mostrarle aquí otra vez. Pero si es una. Una como digamos en estas, en particular, las del muro es la pintura de pared, que tenía el propio muro y encima de la pintura directamente con él, con acrílico de grafito. Pincel fino paciencia las barras. Si para hacerlo dibujos bocetos previos, recuerdan mucho a tu Sampras agravados, andando. Tras. Un proceso de imaginación, que algunas maquetas de maquetas en el caso de pequeñas naves pequeñas representa eso sí si se hiciera eso no estaría aquí si hiciera eso estaría en otro lado, 5 es No, la verdad es que ojalá; ojalá detuviera ya la disponibilidad total para para dedicar esa minuciosidad, también a los dioramas en algunas que han mostrado como por ejemplo esa ese final de cristal, que contiene un humo, la que será eso es ahí sí que sí que hizo un pequeño pequeño, bodegón encima de una mesa tomé fotos para, sobre todo para una cuestión de los brillos y todo esto para y hice un bueno, un pequeño paisaje dentro del canal para ver un poco cómo respondían, también las las las ondulaciones de cristal, pero luego en toda la parte central pues me puse a imaginar cosas. Ya. Trabajé. No es bueno, realmente utilizó también mucho fondo, mucha foto, montaje o sea, utilizó utilizó capas, y me hago mis bocetos previos en muchas obras dejó buenos. La mayoría de obras dejó dejó un espacio para lo nuevo. Es decir, el boceto, siempre es un punto de partida nada más, luego elabora final, tiene una cantidad de cosas que no estaban en el boceto enorme. No. Eso es lo que permite también los espacios de tiempo. Un poco más alargados no permitirá añadir, pero sí sí utilizó herramientas digitales para hackear bocetos y tu padre, porque las. Colores hay muchos. Varones sí. Si el tema del tema de los apuntalamiento me encantan la, el cuadro de Tras, ese muro que os mostré fue una foto que hice a las afueras de Lima en un muro, en un muro de un templo era el Templo del Sol, que había un templo inca y era 1 de los muros principales del templo, que se estaba destruyendo, se estaba cayendo y tenían un apuntalamiento de madera puesto para que no se cayera y era bastante gracias a la foto original porque no sabes que es más endeble. Ahí sí si el muro o el apuntalamiento. Esa esa estructura estaba a punto de quedarse también ya era algo que y bueno pues esa foto estuvo deambulando por mi estudio durante un año. Muchas veces me pasa que después de un viaje a las fotos más significativas que encuentro, las primo las tengo en papeles por ahí y muchas veces van de mesa en mesa y no sabes por qué hay algunas que archiva. Si hay otras que se van quedando encima de las mesas y esa estuvo mucho tiempo y cada vez que la veía, parecía que me decía algo, no, también te va diciendo algo sobre tu momento personal, no puedes evitar tampoco que te preocupan asuntos de lo colectivo, pero hay imágenes con las que de repente enganchas porque te sientes un poco como eso, no y bueno, si no había caído en eso, había muchos apuntalamiento de estructuras. Algunas a partir de momento, parece que introduce elementos figurativos, abstractos clima, que se produce. Bueno, aquí hay una cuestión que tampoco le ha comentado nunca y es que. A mí me diagnosticaron hace ya unos 3 años, una especie de migraña ocular tenía el nombre técnico, el nombre médico es toma. Ha comentado. Toma aspectos espectros de fortificación, se trata de un tipo de migrañas que en vez de afectar al cerebro afecta al ojo. Entonces, durante un rato una especie de figura, centre, ya comienza a crecer, no son unas cualquiera, es decir, ves cómo, porque hay una figura que puede parecer un dragón, a veces, pero va creciendo con una especie de luz muy vibrante, te cubre el ojo y durante un rato te tienes que tumbar, y tienes que tienes el caso. No le duele nada, nada, solo es como de hecho el oftalmólogo me dijo. Esto en el siglo XIX, la gente pensaba que veía a la Virgen a sus padres que venía Sí. Sí sí porque realmente es como tener delante de ti unas una cosa que flota en el aire, es muy blanca, y la primera vez asusta. Entonces, yo un día un día mi mi compañera me dijo me dijo, pero te está dando cuenta que hay cosas que están introduciendo en las obras, que son, como dices, que son estas estos espectros, y así es a partir de más o menos de 2019, que es cuando empezaba a pasar. En algunas obras. Comienzan a aparecer una suerte de roturas de espacio, como si fueran como decirlo un clic llamado. Licht imagen y. Bueno. Hubo una época que me daban mucho de estos momentos y tenía una libreta, y cuando tenía ojos y muy mal cerraba con el que más les vaya bien, y lo iba dibujando y tengo. Tengo una libreta llena de triángulos. Así entre intrincados y tal, y ahí están esos aspectos y de vez en cuando los los mezcla con la imagen. No hay que aprovechar, hay que aprovechar, vamos en No, es un tema tampoco, no quiero preocuparse. El oftalmólogo me dijo que era ya de por vida, pero que podía convivir con ellos sin problemas, también hay que cuidar mucho, hay que cuidar mucho las pantallas, no ves demasiado pantallas y todo esto también, y la luz vibrante. Así qatada igualmente un gusto. Nada vargas. Dudas que han sido una Conferencia Inaugural del Máster muy productiva y damos las gracias por venir y, bueno, pues ya hemos sabido, ojalá sea así. Muchas gracias.